1971 foi o ano em que “a música mudou tudo”?

Tudo mudou com a música de 1971. Não, espere. Era 1973. Observe que – 1974 foi o ano, exceto que foi música, filme e televisão, mas apenas em Los Angeles.

Se você está escrevendo um livro ou adaptando um para a televisão, poderia fazer pior do que escolher um ano específico como princípio organizador. Isso é especialmente verdadeiro quando você está lidando com o tumultuoso início dos anos 70, quando a cultura pop parecia pegar fogo e ressurgir regularmente.

Os últimos a aceitar o desafio são os criadores de “1971: The Year Music Changed Everything”, baseado no livro de David Hepworth “Never a Dull Moment: 1971 – The Year That Rock Explded”. Lançado em sua totalidade na semana passada na Apple TV +, a série de documentários em oito partes oferece muitas evidências de que seus sujeitos humanos estão convencidos da premissa, como costumam estar. “Música dizendo alguma coisa “, diz Chrissie Hynde sobre os créditos de abertura; “Estávamos criando o século 21 em 1971”, diz David Bowie.

Mas, por mais difícil que seja evitar o preconceito dos boomers (um senso de auto-importância geracional está embutido na premissa, afinal), talvez seja ainda mais difícil limitar o escopo de tais esforços a um único ano: música de 1971 realmente mudou as coisas mais do que em ’72? O que 1969 teria a dizer sobre isso? Como você começou a apresentar o caso?

“Às vezes você tem que fazer uma declaração ousada”, disse Asif Kapadia, CEO da série e um de seus produtores executivos, em uma videochamada de Londres. “Da nossa pesquisa, houve algo surpreendente naquele momento particular, que vem depois dos anos 1960, em termos dos anos 1970, como um ponto de inflexão”.

A série reúne tantos clipes cativantes e mistura tanta história recente que é difícil negar os resultados, quer você compre a premissa ou não.

Em 1971, Marvin Gaye estava transformando a canção de protesto com a sublime “What’s Going On”; os Rolling Stones martelavam seu clássico cru “Exile on Main St.” (e consumindo grandes quantidades de heroína) em uma casa alugada no sul da França; Aretha Franklin estava demonstrando sua solidariedade pública à ativista negra Angela Davis; e David Bowie estava escrevendo o livro sobre a androginia do rock ‘n’ roll.

Foi também um ano extraordinário para as mulheres artistas. Carole King, que se separou de seu marido e parceiro de composição, Gerry Goffin, em 1968, lançou “Tapestry” em 1971, e Joni Mitchell lançou “Blue”, após o fim de seu relacionamento com Graham Nash. Esses não eram apenas ótimos álbuns; eram também declarações pessoais de independência, gritos retumbantes de desafio e vulnerabilidade no que muitas vezes ainda era um mundo masculino.

Mas a vida simplesmente não é organizada em períodos de 12 meses, mesmo quando os livros e as séries de televisão assim o exigem. Nenhum projeto desse tipo poderia fornecer o contexto adequado sem gastar tempo, por exemplo, no massacre da família Manson e no desastre em Altamont, Califórnia, no qual quatro pessoas foram mortas em um show gratuito liderado pelos Rolling Stones, dois eventos de 1969 que marcaram o fim da era do Flower Power. Os tiroteios em Kent State em 1970 foram outro caso em questão, ajudando a preparar a mesa para o clima e a música que viriam.

Mesmo que se distancie de 1971, esta é uma história cultural de alto nível com uma batida matadora. Então, às vezes, ele quebra um pouco as regras.

Pense em Bowie, que termina com a última palavra da série. “The Man Who Sold the World” foi lançado nos Estados Unidos em 1970, mas na Inglaterra natal de Bowie em 1971. Ele gravou a maior parte de “A Ascensão e Queda de Ziggy Stardust e as Aranhas de Marte”, que fornece o clímax do Series. , em 1971, mas o álbum foi lançado em 1972. Da mesma forma, os Stones gravaram a maior parte de “Exile” naquela vila em 71, mas terminaram em 72, ano em que o álbum foi lançado.

“Tínhamos uma regra muito básica de que deveria ter uma impressão muito pesada em 1971”, disse Danielle Peck, a produtora do programa, que dirigiu quatro dos episódios. “Pode começar em 1969 e pode terminar dois anos depois. Mas a maior parte do evento teve que ser em 1971, porque precisávamos encontrar uma maneira de filtrar todas essas histórias incríveis. “

Claro, você pode remover toda ambigüidade abraçando a subjetividade. Observando que ele completou 21 anos em 1971, e que todos provavelmente vemos esse marco pessoal como especial, Hepworth, em seu livro, reduz: “Há uma diferença importante no meu caso e em 1971″, ele escreve. “A diferença é esta. Estou no certo.”

Pelo menos ele acha que está certo. Quando Ronald Brownstein, editor sênior do The Atlantic, decidiu comemorar um ano, ele escolheu 1974 e decidiu incluir música, cinema e televisão. Também estreitou seu foco geográfico para o centro da indústria do entretenimento, Los Angeles, que era muito mais sonolento do que agora.

O livro resultante, “Rock Me on the Water: 1974 – O ano em que Los Angeles transformou o cinema, a música, a televisão e a política”, é um caso forte. Brownstein viu 1974 como o fim de uma era.

“O desaparecimento da proeminência cultural de Los Angeles captou uma mudança muito maior na vida americana”, escreve ele. “Os trabalhos mais memoráveis ​​de Los Angeles no início dos anos 1970, de ‘Chinatown’ a ‘All in the Family’ e o ótimo álbum de Jackson Browne ‘Late for the Sky’, surgiram da colisão do otimismo dos anos 60. com o crescente cinismo e pessimismo de década de 70 “.

Mas vamos bancar o advogado do diabo com “1971” por um momento. E se a certeza de Hepworth for justificada? E se 1971 for, de fato, o fim do rock e do pop, e não apenas um ano em que uma tonelada de boa música foi lançada? E se “estou certo” não for arrogância, mas precisão?

Uma lista de lançamentos de 1971 é certamente esmagadora. Além dos já mencionados, houve o “Master of Reality” do Black Sabbath; “Tago Mago” de Can; The Doors “L.A. Woman”; “Aretha Live at Fillmore West”, de Aretha Franklin; “Led Zeppelin IV”; “Imagine” de John Lennon; “Just As I Am”, de Bill Withers; e “There a Riot Going on”, de Sly and the Family Stone, para começar.

Nada mal, diz 1972. Mas veja só: “Pink Moon” de Nick Drake; “Superfly” de Curtis Mayfield; “Transformer” de Lou Reed; “Be Altitude: Respect Yourself” dos cantores básicos e assim por diante.

A qualidade está no ouvido de quem vê – o escritor Andrew Grant Jackson só fez casos de livros sobre a importância de 1965 e 1973 – e para seu crédito, “1971” percebe isso. Na melhor das hipóteses, ele se afasta do jogo da lista de verificação do álbum, abrangendo o livro de origem, em favor de uma história cultural incisiva.

Ele se concentra no levante da prisão de Ática e no que diz sobre as discrepâncias raciais no encarceramento e nas condições carcerárias em geral. Ele examina as acusações de obscenidade feitas pelo governo britânico contra Oz, uma revista underground que gerou indignação quando teve 20 adolescentes editando um “School Kids Issue” especial. (Entre os defensores mais ferrenhos da publicação: John Lennon e Yoko Ono.)

Foram tempos de convulsão social, não apenas de boa música. Mas eles foram encorajados pela música, pelo empoderamento das mulheres, afro-americanos e guerreiros que alteram o gênero. 1971 foi o padrão ouro para pop, rock e soul? Qualquer resposta estaria encharcada de subjetividade. Mas foi absolutamente um ponto de partida da década de 1960 para uma nova era agitada, difícil de definir, mas rica em conflitos e possibilidades.

“Tenho certeza de que pessoas diferentes têm argumentos diferentes”, disse Kapadia, “mas nosso ponto é que algo especial aconteceu naquela época com o fim dos Beatles e o início de outros artistas, que então criaram o que agora podemos ver foi o música do futuro “.

Quando você olha para “1971”, provavelmente é melhor não se preocupar se foi “o ano em que a música mudou tudo”. Talvez seja o suficiente para apreciar a época e sua trilha sonora sem verificar o título.

Agora, vamos dar uma olhada nos álbuns lançados em 1975.