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5 minutos que farão você adorar percussão

No passado, escolhemos os cinco minutos ou mais que jogaríamos para cortejar nossos amigos música clássica, piano, Ópera, violoncelo, Mozart, Compositores do século 21, rabeca, Música barroca, sopranos, Beethoven, flauta, quartetos de cordas, tenores, Brahms Y música coral.

Agora queremos convencer esses amigos curiosos a amar a percussão – o som ressonante de instrumentos sendo tocados, sacudidos e batidos. Esperamos que você encontre aqui muito para descobrir e desfrutar; deixe seus favoritos nos comentários.

É uma era emocionante para a inovação e inspiração da percussão. Particularmente novos trabalhos com instrumentação flexível, pois mostram realmente as opções e a personalidade de um conjunto. As múltiplas versões do Sandbox Percussion dos “extremos” de Jason Treuting são um exemplo incrível de como uma ótima composição pode ser atualizada a cada apresentação. É interessante saber como a peça funciona e o que inspirou o material (ritmos extraídos das letras de seis cidades americanas), mas o mais importante é que adoro ouvir e ver como é executada, e quero compartilhar isso experiência com você.

“Gmeng Se Naah Eee” (“What Shall We Do?”) É um movimento de concerto para gyil (pronuncia-se “jeel”) e orquestra. O gyil é uma marimba pentatônica africana que usa apenas quatro notas por oitava em qualquer obra em particular. Seu compositor levanta a questão: quando surgem problemas, o que devemos fazer? – Então ele responde: Continuaremos com sabedoria e determinação, até irmos do desânimo ao deleite. Acho incrível que as 12 notas que o gyil usa neste trabalho possam contar a história da sabedoria que conquista a todos com tanta exuberância, levantando meu ânimo e me fazendo dançar.

A percussão é primária, sofisticada, crua, refinada, lúdica, complexa; evoca uma teia de emoções e acende vibrações que transformam o corpo em um grande ouvido. “Thunder Caves” é uma bateria implacável que libera a mão humana e a tecnologia. A voz também é primitiva, e o que toco penso através dos rosnados guturais da minha voz. Baquetas pontudas, baquetas, baquetas flix, pele a pele – todos contribuem para as cores sonoras desses instrumentos convencionais. A batida incessante do bumbo dá a esta peça um ímpeto implacável.

A bateria é o motor de quase todas as bandas, mas alguns motores funcionam de maneira única. A primeira vez que ouvi essa gravação ao vivo de “Things Ain’t What They Used to Be” de Duke Ellington com o Keith Jarrett Trio – Jarrett no piano, Jack DeJohnette na bateria e Gary Peacock no baixo – na faculdade, me surpreendeu. quão fluidos os tambores faziam a música soar. DeJohnette é uma das vozes mais originais que já tocou o instrumento. Embora o fator de swing seja inegavelmente forte em sua execução, os preenchimentos e acentos não convencionais mantêm uma melodia bem conhecida, com uma forma muito simples, emocionante e imprevisível. Você pode ouvir a multidão enlouquecendo por trás de alguns daqueles enchimentos DeJohnette exclusivos. Felicidade pura.

A maioria dos shows de bateria é tão divertida quanto uma concussão. Mas às vezes pessoas como Steve Reich e John Adams encontram a verdadeira beleza em acertar as coisas. Nesta peça, Tan Dun vai além, escrevendo ousadamente para telefones de água e outros instrumentos rebeldes descontroladamente. Ele constrói um rico envelope orquestral para sugerir tons e ritmos para os sons flutuantes e imprevisíveis da água. Ouvindo em seu sistema sofisticado ou com seus fones de ouvido em uma sala escura, você certamente inspirará um filme de aventura selvagem criado por você mesmo. Como pano de fundo ao fazer as coisas, ele inspirará o pensamento lateral e soluções inovadoras. Provavelmente não é ideal para ligações em grupo, marchas ou sexo, e você definitivamente não dirige com essas coisas!

O compositor e intérprete Michael Ranta, nascido em 1942, é uma figura crucial na música de percussão, embora hoje seja quase totalmente desconhecido, mesmo para os músicos. Foi extremamente prolífico na década de 1970 como intérprete composicional de vanguarda, improvisador e compositor de obras a solo altamente individualistas, que produz ainda hoje. Um tempo significativo se passou na Ásia, especialmente China e Japão, e “Yuen Shan”, para percussão ao vivo e sons pré-gravados, é baseado em princípios espirituais antigos e foi composto por um período de quase 40 anos. O compromisso incondicional de Ranta em ser um percussionista que também é um artista criativo tem sido uma grande fonte de inspiração para meu próprio trabalho.

A irreprimível Quarta Sinfonia de Carl Nielsen foi escrita em 1916, no meio da Primeira Guerra Mundial, e é um duelo entre a luz e as trevas. Onde a percussão se encaixa? Enquanto a orquestra tenta subir à glória no finale, dois timpanistas se chocam, posicionados em lados opostos do palco e, como Nielsen escreveu, “mantendo um certo caráter ameaçador”, suas dissonâncias de duelo e a brutalidade de seu ataque quase puxando a música de volta ao desastre marcial. Mas não exatamente; triunfos de vida. É um dos usos mais notáveis ​​da percussão no repertório sinfônico, e é surpreendente testemunhá-lo ao vivo.

Os traços mais óbvios da percussão no reino orquestral são poder absoluto, intensidade e terror, tanto o terror aberto quanto direto e uma corrente sutil de medo. A percussão é freqüentemente usada para criar uma cor, um brilho, um clarão ou ondas quebrando. Os sons que podemos fazer são ilimitados porque nossos instrumentos são, na verdade, ilimitados; Percussão é definida como qualquer coisa que você sacode, raspa ou bate, e é por isso que escolhi “Memory Palace” de Christopher Cerrone. Quase todos os instrumentos nesta peça são D.I.Y.: Tábuas de madeira, pedaços de cachimbo, tigelas e garrafas. Mostra a versatilidade da percussão: a gama de instrumentos, a criação de ritmo, melodia, harmonia, caráter e clima.

Dinâmico e enérgico, “Drums of Winter” está no centro do fascinante trabalho multimídia de John Luther Adams, “Terra e o Grande Tempo: Uma Geografia Sônica do Ártico”. Mesmo sem percussão afinada, ele contém todos os elementos mais emocionantes da música de percussão. O poder tumultuoso e a paz sutil do mundo natural são habilmente englobados. A peça se move rapidamente e cobre muito terreno, com os picos e vales sonoros de consonância e dissonância rítmica mostrando o potencial tonal do quarteto de bateria. Os últimos 30 segundos são um final emocionante destinado a abrir portas e ouvidos para mais.

Embora o piano isso é um instrumento de percussão, concordamos que iríamos além de seu repertório tradicional para esse recurso. Mas as Sonatas e Interludes for Prepared Piano de John Cage são obras que realmente criam um conjunto de percussão de variedade estimulante. Nessas 20 peças, Cage continuou seus experimentos com pianos preparados: pianos regulares com parafusos, porcas, placas de borracha, peças de plástico e outros elementos inseridos, segundo as especificações precisas de Cage, entre suas cordas. Ao tocar as teclas, o músico produz uma variedade de tons retumbantes e semelhantes a sinos, batidas quase sem tom, sons delicados de harpa e muito mais. Nas Sonatas XIV e XV emparelhadas, “Gemini”, a música soa como uma dança vagamente asiática, com riffs ondulantes no registro baixo, pedaços melódicos em tons agudos despojados, batidas sedutoras e figuras rítmicas intrincadas.

Quando se trata da música de Duke Ellington do início dos anos 1940, a discussão tende a se concentrar nas contribuições feitas pelos o baixista Jimmy Blanton e o saxofonista tenor Ben Webster – e a habilidade do percussionista Sonny Greer é freqüentemente esquecida. No entanto, o próprio Ellington descreveu Greer, seu baterista de longa data, como o “O melhor reator percussionista do mundo”. “Quando ele ouviu um ping”, acrescentou Ellington em suas memórias, “ele respondeu com o pong mais apropriado.” Você pode ouvir essa resposta em todo o clássico “Cotton Tail”, enquanto Greer lidera as seções do conjunto, adiciona emoção a um solo de Webster já comovente e toca agilmente sob o piano de Ellington.

Composta em 1978 para um conjunto de percussão de oito membros, Roscoe Mitchell’s “The Maze” é um excelente exemplo de sua relação dialógica / afrológica com a composição. Sua partitura com anotações incomuns favorece uma estética igualitária, em que cada um dos intérpretes tem a oportunidade não apenas de executar passagens complexas e tradicionalmente anotadas, mas também de explorar diferentes áreas sônicas em seus conjuntos individualizados, que apresentam instrumentos de percussão ocidentais tradicionais., equipes de invenção. e uma infinidade de objetos encontrados. “The Maze” encoraja os performers a interagirem de forma colaborativa com todos os materiais anotados de forma tradicional e gráfica de uma forma que problematiza as noções separatistas de “improvisação” e “composição”, cultivando um universo sônico no qual tal binário nunca existiu em primeiro lugar.

Durante minha primeira visita à cidade de Nova York em um dia cristalino de outono em 1977, atravessei Manhattan para ficar do lado de fora do prédio onde Edgard Varèse havia morado no SoHo. Ao longo do caminho, ouvi a cacofonia da construção de metal com metal, sirenes uivantes e fragmentos da alegre mistura de world music da cidade. Então percebi que a “ionização”, feita desses mesmos sons, Não era um modernismo estéril, mas a carta de amor de Varèse para seu lar adotivo. Ouvindo 44 anos depois, os ruídos de “ionização” ainda são revigorantes, os ritmos ainda otimistas, e este hino feroz ao presente me anima novamente.

Ouvi “Genderan” pela primeira vez em 1997. É no estilo gamelan gong kebyar e mostra muitas das qualidades fascinantes da música balinesa, qualidades que me levaram a estudar com I Nyoman Suadin na Eastman School of Music, e depois a viajar para Bali para aprender mais com ele e outros músicos. “Genderan” começa com uma introdução em uníssono, em seguida, faz desvios intrincados no ciclo do gong, exibindo melodias brilhantes que se movem ao longo da batida de maneiras infinitamente atraentes. Essa música mudou completamente minha vida e minha compreensão da percussão e suas capacidades. Eu espero que você goste também.

Em seus ritmos líricos e gestos, esta peça parece conter elementos de Steve Reich e John Adams, talvez até de Leonard Bernstein. No entanto, é anterior a todos eles: Colin McPhee escreveu “Tabuh-Tabuhan” em 1936, influenciado pelos anos que passou estudando música gamelan em Bali. Ele transplantou sua pesquisa para a orquestra clássica ocidental, usando gongos balineses, mas também criando o que ele chamou de “gamelão nuclear” de dois pianos e instrumentos de percussão, e juntando os sons de tambores tocados à mão nas cordas. As obras resultantes ajudaram a abrir um novo caminho, mais tarde trilhado por Benjamin Britten e expandido por Lou Harrison, para a percussão ocidental no século XX.

No prelúdio da ópera “Kat’a Kabanova” de Janacek, a percussão é tão articulada quanto qualquer cantor poderia ser na prévia do drama por vir: os tímpanos, primeiro sombrios, depois brutais, batendo como um batimento cardíaco, como o destino; e os sinos insistentes que mais tarde levarão um marido, deixando sua esposa em tentação, adultério e suicídio. A percussão funciona abaixo, acima e através da orquestra, adicionando pontuação, itálico, negrito.

A improvisação brilhante e multitudinária deste trecho tipifica o espírito do “velho para o futuro” deste grupo revolucionário. Todos os quatro membros da banda executam livre e totalmente a extensa configuração de percussão do Art Ensemble of Chicago nesta gravação de 1969, feita antes de Famoudou Don Moye entrar. Lester Bowie aparece tocando bumbo; Roscoe Mitchell, pratos, gongos, tambores de conga, toras, sinos, sirene, apitos, tambor de aço, etc.; Joseph Jarman, marimba, vibrações, conga, sinos, apitos, gongos, sirene, violão, etc.; e favores de Malachi, tambor de registro, cythar, percussão, etc. – tudo isso além de seus instrumentos primários.

O tímpano pode ser um instrumento muito alto e as pessoas tendem a olhar para você quando você o toca. Mas realmente captura o público quando é tão suave; isso te pega. Pouco antes do final do Quinto Concerto para Piano de Beethoven, é apenas o solo de piano e os tímpanos silenciosos. Algo tão grande e pesado, mas sai tão delicado. Você captura a imaginação de todos.

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