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David Hammons, Body and Soul, no Drawing Center

David Hammons teve uma carreira extraordinária. Depois de se mudar para Los Angeles de seu Illinois natal em 1963, quando tinha 20 anos, ele estudou com o grande pintor e ilustrador realista social Charles White e logo encontrou seu caminho para o florescente Movimento das Artes Negras.

Junto com um punhado de outros jovens artistas, ele ajudou a definir o futuro da arte afro-americana. Para ele, seria conceitual e incisivo, uma alavancagem de décadas dos símbolos – justo ou injusto, positivo ou pejorativo, autoaplicado ou imposto externamente – da identidade negra. Ele fez esculturas de ossos de galinha, criou uma bandeira americana amplamente reproduzida em cores pan-africanas e vendeu bolas de neve nas ruas. Se existe uma linha divisória entre a arte como ativismo e a arte pela arte, ele a percorreu como uma corda bamba.

Sua série mais famosa podem ser as impressões corporais que ele começou a fazer no final dos anos 1960, inspirado por Yves Klein e outros alunos do Chouinard Art Institute em Los Angeles, onde se formou. Mas onde Klein e as outras crianças usavam tinta, Hammons untava seu corpo (ou, mais tarde, o de outra pessoa) e borrifava grafite em pó no papel somente depois de ter causado uma impressão. Foi uma inovação formidável. Em vez das manchas vagas, mas gráficas, que um corpo pintado produziria, essas imagens de raios-X com contornos suaves capturaram todos os detalhes. Eles se parecem menos com obras de arte comuns do que o Sudário de Torino.

Mas embora os mais emblemáticos tenham sido adquiridos pelo Museu de Arte Moderna, “David Hammons: Body Prints, 1968-1979” No Drawing Center, que combina os ícones do MoMA com uma sala repleta de peças raramente vistas de coleções particulares e uma belíssima fotografia documental de Bruce W. Talamon, é a primeira mostra a focar exclusivamente em body prints. E 50 anos depois, dificilmente poderiam ser mais relevantes. Em uma época de maior atenção à cultura negra, quando uma nova geração de pintores negros está na vanguarda da arte figurativa americana, vale a pena olhar para trás para ver como o trabalho de Hammons manteve seu poder por tanto tempo.

Começar com “Janela do menino negro” uma das primeiras peças da mostra, de 1968. Uma janela de madeira verdadeira com grades elaboradas e uma veneziana encardida apresenta a impressão do corpo de uma criança serigrafada no verso do vidro. As nuances são bastante claras: as mãos da criança erguem-se acima da cabeça, como se estivesse se rendendo; barras verticais são uma cerca, se não barras de prisão; há um cheiro distinto de violência.

A mesma impressão aparece em “The Door (Admissions Office)” no ano seguinte, uma porta independente com uma grande janela inserida. O fato de que agora você pode ficar dos dois lados dessa imagem, ver sua imagem de exclusão racial, por assim dizer, de dentro ou de fora, não muda o quão forte ela é. Mas o que impede as duas peças de parecerem didáticas são as mãos. Cheios de detalhes e ao mesmo tempo evocativos de impressões digitais, eles são uma espécie de abstração da especificidade, uma recusa geral de generalizar. Eles afirmam que, quer ele saiba seu nome ou não, havia exatamente um indivíduo humano pressionado contra este vidro.

Com esse tipo de especificidade como âncora, Hammons ficou livre para mergulhar nas ambigüidades mais embaraçosas sem perder o equilíbrio. Pelo contrário, quanto mais ambíguas as impressões se tornam, mais forte é seu impacto. Uma peça sem título captura Hammons em um casaco de inverno com capuz e as palmas das mãos juntas, como um monge encapuzado orando. Em “Ore pela América”, adicione a bandeira americana como um capuz. É impossível analisar: quem exatamente é ele e pelo que está orando? – mas completamente deslumbrante.

Em trabalhos posteriores, Hammons deixou mais espaço para a sensualidade, tanto em suas representações dos próprios corpos humanos lubrificados quanto em seu tratamento de materiais artísticos. Em “Untitled (Double Body Print Collage)”, 1976, um homem e uma mulher nus dormem juntos contra um fundo de padrões semelhantes a papéis de parede e blocos de vermelho, dourado e verde. Em certo sentido, isso tem todo o conteúdo político e de alto conceito de obras anteriores mais rudes. É uma representação brilhante e íntima de dois corpos negros tal como são, mas também revela, com uma pelve exagerada, uma nádega lateral e outros detalhes, como colocá-los no papel os distorce. Mas também há uma sensação distinta dos anos 1970 nesta e em outras peças menos conhecidas do programa. Eles não são menos agradáveis ​​de assistir, mas não parecem tão surpreendentemente relevantes, tão estonteantemente atemporais quanto “Janela do menino negro”. Porquê é isso?

Simplificando, é a diferença entre a arte conceitual e o tipo normal. Na década de 1970, com a participação de mais gente e uma gama maior de tintas e pigmentos, Hammons passou a usar a body prints como mais uma técnica visual. Em suas peças anteriores, no entanto, ele estava apresentando sua ideia, essencialmente, de que valia a pena olhar um corpo preto sem adornos. Era o próprio corpo que transmitia o rico contexto cultural e histórico da obra. Foi isso que tornou a ideia tão brilhante.


David Hammons: Impressões corporais, 1968-1979

Até 23 de maio. The Drawing Center, 35 Wooster Street, Manhattan. drawingcenter.org.

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