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De todas as empresas que entraram na guerra do streaming, a Disney tem vantagens significativas com Disney +. Você pode extrair de um cofre profundo de seus próprios filmes animados e de ação ao vivo e programas populares em suas próprias redes a cabo, bem como propriedades de empresas como Marvel e Star Wars. E isso sem contar a lista de programas de TV e filmes originais da plataforma.
Isso é muita coisa – quase 500 filmes e 7.500 episódios de TV na época de sua estreia. Abaixo está o nosso guia com os 50 melhores títulos Disney +, organizados em ordem cronológica inversa para maior variedade. À medida que o serviço continua a construir seu catálogo, essa lista também mudará.
Aqui estão nossas listas de Melhores filmes Y programas de televisão no Netflix, o o melhor de ambos no hulu Y os melhores filmes do Amazon Prime Video.
“Big Shot” (2021)
Jogando uma mistura entre um tipo Bobby Knight temperamental e um astuto John Calipari, John Stamos apresenta este drama esportivo animado como um N.C.A.A. em desgraça. Treinadora assumindo um cargo liderando um time feminino de colégio após um acidente de arremesso de cadeira. “Big Shot” segue a fórmula de “Bad News Bears” e “Mighty Ducks”, com seu herói irascível em confronto com adultos congestionados e sua turma heterogênea que não está acostumada a disciplinar. Mas Stamos e seu jovem elenco têm uma química vencedora juntos, e seu personagem cresce junto com eles.
‘The Mighty Ducks: Game Changers’ (2021)
A franquia de comédia esportiva de médio porte da Disney ganha um impulso com o “Cobra KaiCom o time de hóquei de luta livre, Mighty Ducks, agora um monstro de xixi desanimado e seu ex-técnico, Gordon Bombay (Emilio Estévez), agora um dono de uma pista de patinação de cabelos grisalhos e rabugento. Mas é Lauren Graham quem une a série como uma mãe sincera que quer que os esportes sejam divertidos novamente, então ela constrói um time de hóquei em torno de seu filho, habitado por desajustados que mal sabem patinar. O resto desse cenário indefeso mais ou menos se auto-escreve.
“Star Wars: The Bad Batch” (2021)
Servindo como uma sequência e spin-off de “Star Wars: The Clone Wars”, esta série animada de Dave Filone continua o mesmo espírito irreverente, fortemente planejado, mas orientado para a ação que definiu a série “Clone War” desde sua estreia no Cartoon . Network em 2008. Situado no período entre as prequelas e a trilogia original, “The Bad Batch” é sobre Clone Force 99, uma unidade clone de elite que desafiou as ordens de programação do Império para derrubar os Jedi sob o comando da Ordem 66 O que se segue é basicamente “The A-Team” para os fãs de “Star Wars”, com esses rebeldes marcando pequenas vitórias enquanto a escuridão engolfa a República.
“WandaVision” (2021)
Uma crítica persistente ao universo cinematográfico da Marvel é que todos os filmes parecem e são basicamente iguais, uma consequência natural da interseção de seus personagens e suas histórias. Lance dois M.C.U. personagens, Wanda Maximoff (Elizabeth Olsen) e Vision (Paul Bettany), como recém-casados desajustados em uma sitcom suburbana no estilo dos anos 1960 “,WandaVision“É uma partida ousada, que o crítico Mike Hale chamou de”uma combinação de mistério paranóico de alto conceito e cultura pop nostálgica burlesca. Entre os mal-entendidos bobos e referências a velhos padrões como ‘Bewitched’, o show planta algumas interrupções estranhas que sugerem que tudo não é o que parece.
‘The Mandalorian’ (2019-presente)
Embora “The Mandalorian” ocorra entre os eventos de “Return of the Jedi” e “The Force Awakens”, esta emocionante série de aventura de ficção científica torna a simplicidade uma virtude, descartando a densa mitologia que atormentou “Star Wars”. “Mark. A maioria dos episódios, felizmente curtos, são sobre um caçador de recompensas semelhante a Clint Eastwood (Pedro Pascal) e sua posição premiada, popularmente conhecido como Baby Yoda mas oficialmente conhecido como a Criança, que enfrenta várias bestas galácticas e assassinos. Mike Hale o chamou de “Bom ritmo e razoavelmente inteligente, com estilo e brilho visual suficientes para manter seus olhos atentos. “
“Gravity Falls” (2012-16)
Cruzando a dinâmica do tempo livre irmão de “Phineas e Ferb” com uma abordagem muito mais inteligente dos mistérios cômicos de “Scooby Doo”, esta doce e doce série animada é sobre Dipper e Mabel Pines, gêmeos de 12 anos que são enviados Longe do centro de Oregon para morar com seu maluco “Grunkle” Stan. Stan tem uma armadilha turística derrubada chamada “Cabana do Mistério”, que se torna o nexo de eventos sobrenaturais. Dublado por Jason Ritter e Kristen Schaal, os gêmeos contam uma piada vencedora que é sublinhada pelo afeto real.
“Corações selvagens não podem ser quebrados” (1991)
Neste retrocesso vencedor aos saudáveis filmes de ação ao vivo da Disney dos anos 1950 e 60, Gabrielle Anwar interpreta uma adolescente órfã da zona rural da Geórgia que encontra um lar em um show de dublês itinerante que apresenta um cavalo de mergulho como peça central. Antes de chegar ao topo de uma plataforma de 12 metros de altura no calçadão de Atlantic City, ela treina sob uma figura paterna irascível (Cliff Robertson) e supera um acidente que desprende as retinas de ambos os olhos, deixando-a cega, mas ereta. Stephen Holden o chamou de “um doce filme antigo. “
“Os Simpsons” (1989 até o presente)
Vamos enfrentá-lo: das 31 (e contando) temporadas de “Os Simpsons”, apenas as primeiras nove são boas, mas aquela corrida lendária teve um impacto cultural tão grande que citações e referências a ela se tornaram abreviações linguísticas. O criador Matt Groening e seus animadores imaginaram Os Simpsons e a cidade de Springfield como uma fonte infinitamente elástica de personagens coloridos e provocações afiadas sobre famílias, instituições e valores americanos. Nosso crítico chamou sua animação de “inteligente“E seus scripts” consistentemente inventivos “.
‘DuckTales’ (1987-90, 2018-presente)
A série original de quatro temporadas “DuckTales”, totalizando mais de 100 episódios, expandiu-se em um canto do universo dos patos de Carl Barks, concentrando-se nas façanhas de caça ao tesouro de Tio Patinhas e três sobrinhos-netos., Huey, Dewey e Louie , que ficam sob seus cuidados enquanto o Pato Donald luta pelo Exército dos Estados Unidos. Uma galeria de vilões coloridos, como Flintheart Glomgold e Magica De Spell, estão constantemente atrás da fortuna de Scrooge, particularmente o Number One Dime que começou tudo. Tanto o original quanto o novo “DuckTales” têm energia turbulenta de sobra.
“The Muppet Show” (1976-1981)
Quatro décadas após sua exibição, “The Muppet Show” de Jim Henson pode parecer alienante para as gerações mais jovens, que não só coçarão a cabeça com referências à cultura pop antiquada, mas também podem não estar familiarizados com o formato dos programas de variedades. No entanto, as criaturas amadas de Henson resistiram ao teste do tempo e não há melhor vitrine para elas do que este encantador mosaico de esboços bobos, números musicais e intersticiais. “The Muppet Show” tem sido de difícil acesso ao longo dos anos. Esta coleção oferece todos, exceto dois dos 120 episódios originais, muitos dos quais não estavam disponíveis em DVD, então esta é uma grande oportunidade de experimentar momentos clássicos ou passar para os personagens favoritos. .
“Pedra da escola!” (1973-2009)
Os desenhos animados de sábado de manhã sempre tinham poucas oportunidades educacionais para as crianças, mas a ABC decidiu fazer o bem público ao produzir “Schoolhouse Rock!”, Uma série de intersticiais animados de três minutos que provaram ser dispositivos mnemônicos surpreendentemente cativantes. Disney + não tem a série completa de episódios, tem 51 dos 64, a grande maioria feita em meados da década de 1970, mas tem todos os clássicos, inclusive o chamado e a resposta de “Conjunção Junção”, o coração. -reendendo a música de multiplicação “Figure Eight” e “I’m Just a Bill”, aulas de civismo que foram parodiadas no episódio “Os Simpsons” “O Dia da Violência Morreu”, que também está disponível no serviço.
“Hamilton” (2020)
A produção original deste audacioso musical pop de Lin-Manuel Miranda foi um ingresso quase impossível na Broadway, mas agora é tratada como uma ode vital e teimosamente otimista ao experimento americano. Liderando um elenco de atores em sua maioria negros e latinos, Miranda retrata Alexander Hamilton como um imigrante bem sucedido, uma encarnação “jovem, agressiva e faminta” de uma nação emergente. “Hamilton” já foi descrito como uma história de hip-hop, mas a música é tão variada quanto a história é idealizada e espinhosa. A.O. Scott escreveu que o filme é “motivado, acima de tudo, pela fé no potencial de autocorreção do experimento americano.“
“Soul” (2020)
A morte geralmente não é negociável, mas quando Joe Gardner (dublado por Jamie Foxx), um professor de música do ensino médio, cai no esgoto logo após marcar seu primeiro grande concerto como pianista de jazz, ele está pronto para desafiar as leis do céu. para realizar seu sonho. Enquanto este comovente e caprichoso filme da Pixar investiga as complexidades burocráticas da vida após a morte, “Soul” é mais comovente como um tributo aos pequenos e incontáveis prazeres da cidade de Nova York. A.O. Scott o chamou de “um novo capítulo na expansão do realismo da Pixar. “
“O menino que poderia ser rei” (2019)
Em sua sequência de “Attack the Block”, um thriller de ficção científica espirituoso que trouxe uma invasão alienígena às ruas do sul de Londres, o escritor e diretor Joe Cornish casa novamente o fantástico com o cotidiano por meio de seu pungente toque moderno. No Mito do Rei Arthur. O filho do destino aqui é um menino de 12 anos de um subúrbio de Londres que puxa a espada de Excalibur de um canteiro de obras e recruta seus próprios cavaleiros para lutar contra uma feiticeira do mal. O crítico Bilge Ebiri chamou de “uma fantasia de infância enérgica e bem encenada. “
“Ilha dos Cães” (2018)
A segunda tentativa de Wes Anderson de animação stop-motion, depois de “Fantastic Mr. Fox” de 2009, aplica a mesma meticulosidade ao entretenimento original que usa fantasia e aventura para mascarar temas sombrios sobre um futuro cambaleante. Com uma epidemia de “gripe canina” atingindo o Japão, seu líder demagogo envia os cães do país para a quarentena em uma ilha de lixo, subestimando sua resistência lúdica e camaradagem. Manohla Dargis chamou esses cachorrinhos engraçados “companhia surpreendente, comovente e absolutamente deliciosa. “
“Star Wars: The Last Jedi” (2017)
O filme mais polêmico de “Guerra nas Estrelas” é também um dos mais ousados e melhores, desafiando a ortodoxia dos tradicionalistas Jedi a abraçar uma visão mais operística da superação da Resistência no combate à Primeira Ordem. Começa com o choque de Luke Skywalker (Mark Hamill) jogando casualmente um sabre de luz de um penhasco e mantém as heresias fluindo de lá, tudo em um esforço para aumentar as apostas emocionais para as batalhas que estão por vir. Manohla Dargis o chamou de “entretenimento satisfatório, às vezes transportador. “
“Thor: Ragnarok” (2017)
Os dois primeiros filmes de “Thor” estão entre os piores da série de filmes da Marvel, mas uma conclusão sólida é que o alienígena de Chris Hemsworth empunhando o martelo prospera como a peça central boba de uma comédia de peixe fora d’água. “Thor: Ragnarok” de Taika Waititi oferece exatamente isso, explorando o bom humor de seu herói ao máximo, enquanto apresenta Cate Blanchett como uma vilã todo-poderosa que planeja destruir seu planeta natal, Asgard. Manohla Dargis admirou como o filme “humaniza” Thor, mas ainda pensa “o que você precisa é de um mito tão poderoso quanto o seu truque. “
“Figuras escondidas” (2016)
Escondida em um prédio separado no Langley Research Center em Hampton, Virgínia, no início dos anos 1960, Katherine Johnson (Taraji P. Henson) se junta a seus colegas negros como um “computador humano” até que seu brilho computacional se torne muito valioso para a NASA. negar. . A atraente lição de história “Figuras escondidas” segue Johnson e dois outros matemáticos negros enquanto eles derrubam barreiras em um momento crucial para o programa espacial. A.O. Scott o chamou de “uma história bem contada com moral clara e recompensa emocional satisfatória. “
“Moana” (2016)
Disney passou décadas trabalhando na criação de heroínas de temperamento forte, mas poucos embarcaram em uma missão tão importante quanto Moana, que viaja pelos mares para salvar sua aldeia polinésia da ruína ambiental. Suas aventuras são representadas em um agradável e exuberante azul marinho, e Dwayne Johnson desempenha um papel hilário como o semideus egoísta de Maui. Mas a verdadeira estrela de “Moana” são as canções, que vão desde as alturas (“How Far I’ll Go”) até as bobas (“You’re Welcome”) e o estilo Bowie (“Shiny”). A.O. Scott escreveu que “Ancorando o alegre globalismo do filme em um cenário específico do Pacífico Sul.. “
“Rainha de Katwe” (2016)
Os filmes de ação ao vivo da Disney não têm exatamente uma tradição de realismo corajoso, mas com “Rainha de Katwe”, a diretora Mira Nair tira um pouco do brilho da emocionante história real de uma garota ugandense cujos talentos prodigiosos como jogadora de xadrez lhe permitem para ver o mundo além de um bairro pobre em Kampala. Ao reservar um tempo para detalhar as lutas diárias de uma família desesperadamente pobre, Nair adiciona força aos esforços da garota para se movimentar no tabuleiro. Se “Hoosiers” te fez chorar, previu A.O. Scott, “‘Rainha de Katwe’ vai te separar. “
“Dragão de Pete” (2016)
O tolo musical de 1977 se transforma em um drama sincero sobre um menino selvagem órfão (Oakes Fegley) que faz amizade com um grande dragão verde no noroeste do Pacífico. Ao interpretar esta história de forma totalmente direta, o diretor David Lowery vincula uma mensagem ambiental séria a uma afirmação comovente da família. Os comentários foram em sua maioria amigáveis, embora nosso revisor tenha achado “sentimental.“
“De dentro para fora” (2015)
Quando uma menina de 11 anos se muda do Meio-Oeste para São Francisco, as emoções personificadas que controlam sua mente: Alegria (Amy Poehler), Tristeza (Phyllis Smith), Raiva (Lewis Black), Medo (Bill Hader) e Desgosto ( Mindy Kaling) – enlouquece. Situado perto do pico das lágrimas da Pixar, “Inside Out” é sobre como as crianças se desenvolvem em seres emocionais complexos e o papel importante que a melancolia desempenha em fazer isso acontecer. A.O. Scott o chamou de “um prazer absoluto: divertido e charmoso, rápido e cheio de surpresas. “
“A falha em nossas estrelas” (2014)
A trágica história de amor entre Hazel (Shailene Woodley) e Gus (Ansel Elgort), dois adolescentes com câncer que se encontram em um grupo de apoio, é tratada com rara ternura e paixão neste Y.A. pelo autor John Green. filme sentimental. O fato de o diagnóstico terminal de Hazel colocar uma data de expiração em seu relacionamento apenas intensifica o espírito romântico do filme – os dois sabem que seu primeiro amor será o último e eles agem de acordo. A.O. Scott escreveu: “o filme tem como objetivo te fazer chorar, ”E é bem-sucedido.
“Oceanos” (2009)
Dos documentários da Disneynature, “Oceans” é talvez o menos interessado na utilidade científica, contando, em vez disso, com os floreios poéticos da narrativa de Pierce Brosnan. Mas para os diretores Jacques Perrin e Jacques Cluzaud, os franceses responsáveis pela surpreendente “migração alada”, essa atenção às maravilhas abstratas do mar é inteiramente intencional. Seu estudo de quatro oceanos maravilha-se com as harmonias sincronizadas de comportamento, a beleza estranha das criaturas do fundo do mar e até mesmo com o disparo noturno de um foguete através dos olhos de uma iguana. Jeannette Catsoulis a elogiou “imagens cristalinas e imediatismo poético. “
“WALL-E” (2008)
O primeiro terço de “WALL-E” é uma marca d’água alta para a Pixar, silenciosa e lindamente detalhando a vida solitária do único robô compactador de lixo deixado em um futuro inabitável da Terra. O filme também não cai muito quando o robô faz amizade com um andróide mais sofisticado enviado ao planeta em busca de sinais de vida, e talvez na esperança de que os humanos sobreviventes voltem para casa. “Nos acostumamos a esperar surpresas da Pixar.”Escreveu A.O. Scott, “mas ‘WALL-E’ certamente inova.”
“Homem de Ferro” (2008)
O evento do Big Bang que deu início ao Universo Cinematográfico da Marvel, “Homem de Ferro”, estabeleceu o modelo para mais de 20 filmes de super-heróis. Mas deve muito de seu sucesso ao desempenho de Robert Downey Jr. como Tony Stark, um empreiteiro militar arrogante que se torna a arma mais avançada da criação. Embora os filmes posteriores da Marvel tenham sido carregados com uma bagagem mitológica, “Homem de Ferro” ainda parece tão elegante e rápido quanto o próprio super-herói. A.O. Scott o chamou de “uma imagem excepcionalmente boa de super-herói. “
“Ratatouille” (2007)
No topo de uma série de sucessos ininterruptos depois de “Toy Story”, a Pixar apostou na premissa quase perversamente desagradável de um rato parisiense apaixonado pela alta gastronomia refinada. Mas “Ratatouille” compensa nas travessuras frenéticas de um roedor à solta na cozinha, uma apreciação sensual pela comida e uma mensagem entusiástica sobre a busca de seus sonhos, independentemente de suas limitações aparentes. A.O. Scott o chamou de “uma obra de arte popular quase perfeita. “
“Sky High” (2005)
Como filho de dois super-heróis poderosos (Kurt Russell e Kelly Preston), espera-se que Will Stronghold (Michael Angarano) seja o primeiro calouro em uma escola para meninos com poderes especiais. Em vez disso, ele pousa com os amigos nerds (chamados de Hero Support). O desenvolvimento desajeitado de Will aumenta as apostas na comédia típica do ensino médio e o elenco carregado oferece papéis coadjuvantes inspirados de Dave Foley, Bruce Campbell e Kevin McDonald como seus instrutores. Stephen Holden o chamou de “uma aventura animada de comédia da Disney. “
“Buracos” (2003)
Depois de ser falsamente condenado por roubar sapatos, um menino (Shia LaBeouf) é enviado a um campo de trabalho onde crianças rebeldes são forçadas a cavar buracos de um metro e meio no sol do deserto sem motivo aparente. Baseado no romance de Louis Sachar, “Holes” é ambientado em um drama social da era da Depressão e reviravoltas de Sigourney Weaver, Jon Voight e Tim Blake Nelson, mas suas excentricidades deliciosas iluminam o clima. A.O. Scott creditou ao diretor Andrew Davis por ter “transformou a alegoria severa e sóbria do livro em uma saga de cães peludos que às vezes é agitado, mas sempre surpreendente e nunca fácil, previsível ou falso. “
“O Novo Ritmo do Imperador” (2000)
Devido à produção problemática e retornos decepcionantes, “The Emperor’s New Groove” foi considerado um raro passo em falso no renascimento da animação da Disney dos anos 1990 e início dos anos 2000. Mas esta frota, anárquica e hilariante comédia de amigos sobre um rei egocêntrico se transformou em uma chama ( David Spade) e um humilde camponês (John Goodman) é uma oportunidade de ver o que os animadores da Disney poderiam fazer se tivessem permissão para canalizar a energia maníaca de seus companheiros da Warner Brothers. Nosso crítico admirou seu “efervescência atrevida e esperma. “
“A história direta” (1999)
O diretor David Lynch chocou o mundo do cinema ao seguir o corajoso “Twin Peaks: Fire Walk With Me” e “Lost Highway” com um filme factual da Disney classificado para menores sobre um velho do Meio-Oeste (Richard Farnsworth). Ele viaja 370 milhas em um cortador de grama para visitar seu irmão doente e afastado. No entanto, há muita excentricidade e talento de Lynch em sua parte sincera de Americana, e uma genuína convicção na decência que os malfeitores em seus outros filmes muitas vezes tentam abafar. Janet Maslin o chamou de “um triunfo altamente improvável. “
“A Cinderela de Rodgers e Hammerstein” (1997)
30 anos depois que Rodgers & Hammerstein escreveram seu único musical feito para a televisão, um evento ao vivo com Julie Andrews no comando, a Disney o reviveu para um relançamento da antologia “The Wonderful World of Disney”, com Brandy, a primeira Cinderela. preto, liderando um elenco diversificado de ringtones da Broadway e estrelas conhecidas. Os valores da produção televisiva são mais modestos do que o talento merece, mas Brandy é uma heroína teimosa e luminosa, o príncipe (Paolo Montalbán) é mais do que um prêmio real genérico, e Whitney Houston, que co-produziu o filme, invoca uma magia. como a fada madrinha que tem pouco a ver com efeitos especiais enfadonhos.
“Toy Story” (1995)
O primeiro longa-metragem da Pixar foi também o primeiro longa-metragem totalmente animado por computador, representando um salto evolutivo para a Disney a par de “Branca de Neve e os Sete Anões”. As sequências adicionariam um componente mais emocional, mas o “Toy Story” original pode ser as piadas mais engraçadas e rápidas, com pontuação sobre a interação e as aventuras de Woody, Buzz e outros brinquedos que ganham vida quando não são sendo visto. Nosso crítico chamou de “o filme mais doce e sábio”De 1995.
“The Rocketeer” (1991)
Embora tenha fracassado em uma época em que filmes de super-heróis não eram comuns ou seguros, “The Rocketeer” é um entretenimento fantástico, uma aventura retro polpuda sobre o F.B.I. e os nazistas lutando por uma invenção de Howard Hughes em 1938 em Los Angeles. Bill Campbell interpreta um piloto acrobático que esbarra em um jetpack que o transforma em um herói autoproclamado, mas o transforma em um homem procurado. Nosso revisor considerou o efeito geral simplesmente “benigno”, mas admitiu que é um “filme de animação visualmente inteligente. “
“A Bela e a Fera” (1991)
O renascimento da animação da Disney que começou com “A Pequena Sereia” atingiu seu auge com este romance entre a inteligente Bela e a Fera tempestuosa, um ex-príncipe que a mantém cativa em seu castelo assombrado até que a maldição que o fez se desfaça. monstro. . As contribuições técnicas e artísticas são de alto nível, nenhuma maior do que as canções de Howard Ashman e Alan Menken, que incluem “Be Our Guest” e o número do título. Nosso revisor elogiou sua combinação de “as mais recentes técnicas de animação por computador com o melhor da Broadway. “
“Grande” (1988)
Em um período de dois anos na década de 1980, os estúdios lançaram quatro comédias de troca de corpos no estilo ‘Freaky Friday’, mas nenhuma teve o poder de permanência do habilidoso filme de Penny Marshall sobre a maioridade. “Big”, que usa seu fantástico premissa. para acessar a experiência divertida e agridoce de crescer. Tom Hanks é perfeitamente retratado como um garoto de 13 anos preso no corpo de um de 30, fingindo seu trabalho como executivo de uma empresa de brinquedos, enquanto gasta seu salário em trampolins e jogos de arcade. Janet Maslin o chamou de “uma animada comédia de verão. “
“Quem incriminou Roger Rabbit” (1988)
O Walt Disney Studios havia experimentado híbridos de animação live-action por décadas antes de “Who Framed Roger Rabbit?”, Mas nunca alcançou nada perto da fluidez e sofisticação do noir único de Robert Zemeckis. A través de la historia de un detective privado empedernido (Bob Hoskins) que ayuda a un conejo de dibujos animados en el rap de un asesinato, la película rinde homenaje a la animación de Disney y Warner Brothers mientras presenta un “Barrio chino” para todas as idades. Seus melhores momentos, nosso crítico escreveu, “eles são tão novos, tão incrivelmente engraçados e tão insanamente inesperados que você realmente tem que vê-los para acreditar neles. “
“The Princess Bride” (1987)
Desvendando a mitologia de incontáveis histórias de ninar, este conto de fadas fragmentado de Rob Reiner, adaptado do romance de William Goldman, conscientemente pisca para as convenções de aventuras românticas enquanto as paga de qualquer maneira. No centro está uma história de amor infeliz entre uma futura princesa (Robin Wright) e um pirata misterioso (Cary Elwes), mas grande parte da diversão está na periferia, como o infeliz espadachim de Mandy Patinkin e o fora-da-lei siciliano de Wallace. Shawn. Janet Maslin elogiou o “elenco encantador e um estilo vivo e sério que se torna cada vez mais cativante à medida que o filme avança. “
“Return to Oz” (1985)
A Disney se arrependeria de ter feito uma sequência para talvez o melhor filme infantil já feito, mas “Return to Oz” de Walter Murch ganhou um culto bem merecido ao longo dos anos por sua leitura meio maravilhosa, meio pesadelo de L. Frank.Baum. Romances de Oz. Desta vez, Dorothy (Fairuza Balk) retorna a um lugar muito menos charmoso, com Yellow Brick Road e Emerald City em ruínas, seus velhos amigos transformados em pedra e a terra patrulhada por pessoas com rodas em vez de mãos e pés. Nosso crítico alertou que “crianças certamente ficarão surpresas com [its] desolação. “
“Tron” (1982)
Qual era o futuro em 1982? Esta aventura de ficção científica da Disney ofereceu uma visão distinta, embora poucas pessoas tenham se juntado para vê-la na época. No entanto, o filme permaneceu como um favorito cult e uma curiosidade tecnológica, anunciando configurações dentro da rede como “The Matrix”. Ele também fornece uma visão irada dos domínios da tecnologia controlados por corporações, colocando um engenheiro de computação (Jeff Bridges) contra o Programa de Controle Mestre em um ambiente virtual. Nossa revisora Janet Maslin a elogiou “Desfile ininterrupto de gráficos de computador impressionantes., “Mesmo que não fossem acompanhados por mais” virtudes antiquadas “.
“O som da música” (1965)
Um ano depois de “Mary Poppins”, o entusiasmo de Julie Andrews provou ser ainda mais crucial para alimentar a adaptação de três horas deste musical de Rodgers e Hammerstein, que apresenta um repertório brilhante de canções no cenário sombrio da Áustria ocupada. Pelos nazistas. Andrews interpreta a otra figura materna a sueldo, una monja en apuros que abandona el convento cuando un viudo (Christopher Plummer) le pide que cuide de sus siete hijos. Canciones memorables como “Mis cosas favoritas”, “Do-Re-Mi” y el número del título la ayudan a hacerlo. A nuestro crítico no le gustaba el éxito de Broadway, pero admiraba el “aire de vigor radiante. “
“Mary Poppins” (1964)
En este bullicioso musical, Julie Andrews desciende del cielo para llevar disciplina y magia a dos escolares ingleses malcriados, e hizo lo mismo para un estudio que había luchado por hacer que la tarifa de acción en vivo estuviera a la par con sus clásicos animados. Con un brillo en los ojos, la niñera de Andrews guía a los niños a través de las tareas del hogar con “Una cucharada de azúcar” y números más extravagantes como “Supercalifragilisticexpialidocious” y “Feed the Birds”. Citando el legado de P.L. Novela original de Travers, nuestro crítico la elogió como “una película maravillosa y animada.
“La trampa de los padres” (1961)
Dejemos a un lado la inverosimilitud y la crueldad de los padres divorciados, incluidos los gemelos idénticos entre los bienes que dividen, y “The Parent Trap” es una comedia encantadora, con Hayley Mills interpretando a gemelos de 13 años que se conocen por primera vez en campamento de verano. Los dos deciden cambiar de padres en un loco plan para volver a unir a su madre y su padre, asumiendo que nunca se casaron con otras personas después del divorcio porque todavía se amaban. Nuestro crítico admiraba el “desempeño de liderazgo alegremente persuasivo. “
“La bella durmiente” (1959)
Fotografiada en Super Technirama 70, “La Bella Durmiente” se destaca especialmente por el color llamativo y el espectáculo que se extiende a lo largo de su marco de pantalla ancha, especialmente durante un clímax cuando un príncipe se enfrenta a un seto de espinas y un dragón que escupe fuego. Sin embargo, es igual de elegante cuando la princesa Aurora, maldita a un sueño eterno por la vengativa Maléfica, baila “Once Upon a Dream” contra un hermoso bosque como telón de fondo. Nuestro crítico animó a los lectores a verlo en una pantalla grande para apreciar su “vistas hermosas y conmovedoras. “
“¡Oklahoma!” (1955)
La versión para pantalla grande del exitoso musical de Rodgers y Hammerstein se destaca principalmente por lo grande que es esa pantalla: filmada simultáneamente en Todd-AO 70 mm y CinemaScope, esta producción en tecnicolor coloca a sus vaqueros cantantes y granjeras contra un telón de fondo asombrosamente hermoso. Ambientada en el territorio de Oklahoma a principios de siglo, donde “el maíz es tan alto como el ojo de un elefante”, la película no es mucho más trascendental que los dos triángulos amorosos que se esfuerza por resolver. Pero las canciones siguen siendo memorables y la escala, como escribió el crítico Bosley Crowther, “Magnifica y fortalece todo el encanto que tenía sobre el escenario”.
“Milagro en la calle 34” (1947)
“Miracle on 34th Street”, que enciende la conmovedora revelación de que un Papá Noel en una tienda departamental es real, se ha convertido en una película clásica de Navidad, aunque la promoción para su estreno en el verano de 1947 nunca mencionó la festividad. La pobre Kriss Kringle (Edmund Gwenn) es arrastrada por un hospital psiquiátrico y una sala de audiencias y reprende el impacto del comercialismo en la Navidad. Nuestro crítico aconsejó a los lectores que “atrapar su espíritu“Y lo llamó” quizás incluso la mejor comedia del año “.
“Bambi” (1942)
Nadie puede olvidar el trauma de ver a un cazador matar a la madre de un ciervo joven. Pero después de ese notorio momento, “Bambi” es poesía de acuarela, siguiendo al cervatillo mientras aprende y crece junto a sus amigos del bosque y eventualmente se convierte él mismo en padre. Sin deletrearlo en un gran número de producción, la película enseña en voz baja a los niños sobre el “círculo de la vida” en toda su belleza, maravilla y pérdida ocasional. “Los colores”, comentó nuestro crítico, “sorprendería incluso al propio espectro. “
“Pinocho” (1940)
Cuando el carpintero italiano Geppetto le pide a una estrella que su marioneta Pinocho se convierta en un niño de verdad, un hada azul da vida al títere, pero eso es solo el comienzo de una odisea difícil antes de que el sueño de Geppetto se haga realidad. El público moderno puede sorprenderse por lo oscuro que se vuelve el viaje de Pinocho, particularmente cuando llega a Pleasure Island, pero la belleza, el horror y la simplicidad moral de la película aún resuenan. La película fracasó en el lanzamiento inicial, pero nuestro crítico la elogió como la de Walt Disney “evento más feliz desde la guerra. “
“Blancanieves y los siete enanitos” (1937)
The first full-length animated feature remains a treasure and an institutional touchstone, establishing the outsized clashes between good and evil, the comical interludes and the lush house style that would endure as Disney hallmarks for decades. A princess’s beauty, a queen’s vanity, a magic mirror, a poisoned apple and a cottage full of diminutive miners are among the classic elements plucked from the Grimm Brothers’ fairy tale. Our critic called it “sheer fantasy, delightful, gay and altogether captivating. “