Os maiores influenciadores da pandemia podem não ser aqueles que presumem

Quando Ruth E. Carter recebeu sua estrela na Calçada da Fama de Hollywood no mês passado, ela se tornou a primeira figurinista em mais de 60 anos a receber a homenagem. Para qualquer um que passou o último ano grudado na tela, parece que já passou da hora.

Não apenas porque Carter se tornou a primeira figurinista negra a ganhar um Oscar em 2019, quando levou para casa a estatueta “Pantera Negra”. Ou porque, para a continuação “Coming 2 America, ”Ele projetou mais de 800 estilos diferentes, criando um universo estimulante de estilo pan-border e usando sua plataforma não apenas para mostrar seus próprios designs, mas para elevar o trabalho de 30 outros designers.

Mas porque, à medida que cozinhamos dentro de casa, consumindo serviços de streaming como água, vivendo vicariamente por meio de histórias, os personagens na tela tornaram-se cada vez mais importantes. Eles se tornaram companheiros, distração, entretenimento.

E modelos de comportamento sobre o que vestir.

Como os sinais normais para se vestir foram se apagando ao longe: a vida na rua e a vida no escritório; grupos de pares e partidos: o que vimos na tela deu em nada.

“Você não pode ir à loja para comprar”, disse Salvador Pérez, presidente do Costume Designers Guild e o homem por trás das roupas em “The Mindy Project” e “Never Have I Ever”. “Então você compra a tela.”

Por que mais estávamos tão obcecados com as silhuetas de Beth Harmon dos anos 1960 em “O gambito da rainha“? Os pescoços da crosta de torta da década de 1980 e o poder da Princesa Diana em “The Crown“? O guarda-roupa de Nicole Kidman em “The Undoing”? Têxteis de Ancara e vestidos reais Puma da Coming 2 America?

Eles se tornaram pontos de discussão públicos da mesma forma que o estilo de rua e o tapete vermelho já foram. À medida que começamos a nos identificar com os personagens, seus empregos e situações familiares, também queríamos nos vestir como eles.

Faz sentido. Afinal, as roupas são simplesmente os trajes que vestimos para representar na vida cotidiana.

E isso significava que os figurinistas por trás deles foram repentinamente reconhecidos como tão influentes quanto … bem, qualquer influenciador. Ou um estilista. Isso pode ter sido verdade em vários graus no passado, mas raramente foi tão óbvio.

“Quando todos estavam presos em casa, eles realmente começaram a perceber o que estava acontecendo na tela pela primeira vez”, disse Nancy Steiner, a figurinista por trás “Jovem promissora, ”Um filme sobre agressão sexual e vingança no qual Carey Mulligan muda de uma jovem mulher em tons pastel para uma sereia (fingir) bêbada em ternos listrados e vestidos justos.

Certamente, Steiner disse, nunca em seus 34 anos de carreira ele recebeu o tipo de atenção que recebeu neste ano, apesar de trabalhar em filmes populares como “Virgin Suicides” e “Lost in Translation”.

Portanto, a questão é: à medida que a pandemia termina e começamos a aparecer, os figurinistas finalmente receberão o respeito que merecem? Não apenas como as mentes criativas por trás dos personagens de nossos filmes favoritos, mas como os gatilhos para muitas das tendências que realmente usamos?

O desvanecimento lento da figurinista

O problema, disse Arianne Phillips, figurinista por trás de “Era uma vez em Hollywood” e, graças ao seu trabalho com Madonna, um nome raro conhecido além do estúdio, é que os figurinistas raramente se envolvem. Tornam-se marcas. Como resultado, disse ele, “eles não foram reconhecidos pelo impacto que tiveram na cultura”.

Era uma vez, esse não era o caso. Era uma vez, no final dos anos 1920, Gilbert Adrian considerado um grande estilista americano, responsável por vestir estrelas de Hollywood como Rita Hayworth, dentro e fora das telas.

Mais tarde, Edith Head, fantasias de Audrey Hepburn, Grace Kelly e Barbara Stanwyck, entre muitos outros, levaram o papel ainda mais longe, viajando pelo país com “Hollywood Fashion Shows”, escrevendo livros (incluindo “Dress for Success”) e até mesmo projetando um adolescente. Linha de moda. Ela também fez aparições na televisão, “dando conselhos sobre como vestir as oito milhões de mulheres que assistiram a ‘House Party’, o programa noturno da CBS Art Linkletter”, escreveu Bronwyn Cosgrave em “Feitos um para o outro,”Um livro sobre moda e os Oscars.

Então o que aconteceu?

Tudo começou quando Hubert de Givenchy usurpou o relacionamento da Sra. Head com Audrey Hepburn, e o mundo oficial da moda começou a ver oportunidades em Hollywood. Conforme os holofotes começaram a mudar de acordo, Giorgio Armani estabeleceu seu próprio posto avançado em Los Angeles, tornando o tapete vermelho uma extensão de sua pista, e as coisas ficaram mais rígidas a partir daí. Na época em que Calvin Klein se juntou a Gwyneth Paltrow para “Grandes Esperanças”, acordos de colocação de produtos e o namoro de “embaixadores” famosos haviam deixado o figurinista, um freelancer na sombra dos estúdios, em segundo plano. .

Houve exceções, é claro, muitas vezes relacionadas a peças de época, quando a obviamente arte da roupa, que era diferente de tudo na loja, apareceu. Nomes como Sandy Powell (“Shakespeare apaixonado”, “O Aviador”) e Janie Bryant (“Mad Men”), por exemplo. E a Sra. Carter.

Ainda assim, na maior parte, o figurinista vive à sombra do cinema ao qual serve. E mesmo quando os mundos da moda e do cinema se tornaram cada vez mais interligados, e os filmes forneceram a matéria-prima que inspirou coleção após coleção, os designers estavam verificando, por exemplo, “Blade Runner 2049” como uma musa, em vez de Renée April., A figurinista . que ajudou a criar as modas distópicas desse lançamento. O público, por sua vez, foi treinado para ignorar a pessoa por trás das roupas.

Chegou ao ponto que, quando um figurinista ocasionalmente trabalhava com um estilista de passarela, como Paolo Nieddu fez com Prada em “Os Estados Unidos vs. Billie Holiday”, Prada acabou recebendo a maior parte da atenção, apesar do fato de que The fashion house fez apenas nove dos muitos looks do filme, e cada um desses nove foi escolhido e co-criado por Nieddu.

O monólogo azul cerúleo

Não ajuda que o Oscar ainda esteja miopicamente preso no modo de período. Mesmo este ano, quase nenhum dos filmes que (literalmente) moldaram a conversa da moda foi nomeado para melhor figurino. Em vez disso, os cinco indicados incluíram “Mulan” (ambientado na China Imperial), “Mank” (anos 1930 e 1940) e “Ma Rainey’s Black Bottom” (1927). Não há dúvida de que as roupas nesses filmes eram deslumbrantes, mas isso não mudava o que o público queria vestir para obter leite ou no fim de semana. (Isso levou a um debate renovado sobre se uma categoria “contemporânea” deveria ser criada no Oscar para equilibrar o equilíbrio.)

Os próprios estúdios, apreciando o brilho relacionado, têm pouco incentivo para dividir os holofotes. Eles são donos do trabalho de figurinista. Portanto, mesmo quando os filmes são tão influentes que estimulam colaborações no varejo (confira a coleção “Mad Men” da Banana Republic), os estúdios costumam remover o figurinista, mesmo que o resultado não funcione muito bem.

“Eles querem toda a glória”, disse Carter.

E, no entanto, em uma época em que a apropriação é um tema quente, a apropriação do trabalho dos figurinistas é amplamente esquecida. (Onde está Dieta prada Quando você precisar?)

Para tanto, Pérez, do Costume Designers Guild, tem pressionado seus membros a falar sobre seu trabalho nas redes sociais, reivindicando o crédito que merecem e criando uma base de poder e um perfil que pode ser ampliado ainda mais. De seus projetos específicos. Ele também tem um comitê de marketing para ajudar.

“O público quer o que estamos fazendo”, disse Perez, que recentemente vestiu um completo “baile de formatura” para “Eu nunca fiz isso nunca” que ela espera que desencadeie novas tendências à medida que saímos do isolamento com o desejo de comemoro. “Eles simplesmente não sabem.”

Não é que a comunidade de figurinistas queira se tornar estilistas. (“Pessoalmente, não estou interessada em seguir o caminho da moda”, disse Carter, que se envolveu em colaborações com marcas de fast-fashion, mas disse que as considerava limitadas.) Mas eles querem ser totalmente reconhecidos pelo que são: criadores de tendências. .

Aquele famoso monólogo de “The Devil Wears Prada” sobre como o azul cerúleo se tornou uma tendência poderia facilmente ter saído da boca de um figurinista. Provavelmente, eles agora têm mais poder do que qualquer editor de revista.

Afinal, eles são criadores de empregos que, como disse Carter, “sempre vazam”.