Para Chakaia Booker, cujo meio são os pneus, a arte está na jornada

ALLENTOWN, Pensilvânia. – O estúdio de Chakaia Booker aqui tem 20.000 pés quadrados de espaço sem aquecimento, com um telhado com goteiras e um problema de esquilo. Seu piso é sulcado em alguns lugares com pistas de sua vida passada, como um galpão de manutenção de automóveis.

Agora há uma área de marcenaria, uma serralheria, uma sala de cerâmica. Existem ferramentas elétricas, cortadores de precisão e uma empilhadeira, já que os materiais de Booker são pesados ​​e suas esculturas, grandes. E há pneus, empilhados nas prateleiras; fatiado, desfiado, empilhado desordenadamente.

Por mais de 30 anos, Booker Ele trabalhou principalmente com borracha automotiva. Na década de 1980, ele recuperou pneus queimados no pré-gentrificado East Village de Manhattan, onde ainda mora. Agora, suas fontes incluem a Michelin, que lhe envia pneus usados ​​de carros de corrida e motocicletas.

Distinta e idiossincrática, sua obra transcende a vocação utilitária do material e nega sua uniformidade. As esculturas podem ser robustas e monumentais, ou finamente detalhadas e surpreendentemente fofas. Alguns são quase figurativos, o corte de borracha, flexionado e em camadas ou encalhado para evocar o corpo humano ou formas mais crípticas.

“É infinito em suas possibilidades”, disse Booker. “Depende da sua imaginação.”

O compromisso do artista com a borracha provoca comparação com outras firmas (as peças de automóveis retalhadas de John Chamberlain, o lirismo metálico de Melvin Edwards), mas é profundamente individual.

“Ela é única”, disse Valerie Cassel Oliver, uma das curadoras da Bienal Whitney de 2000, que incluiu uma escultura de Booker. Ela foi então apresentada por Cassel Oliver em “Double Consciousness”, uma pesquisa de 2005 sobre arte conceitual negra no Museu de Arte Contemporânea de Houston. “Ela está empenhada em explorar o material até a exaustão e, claramente, não há fim.”

Booker’s primeiro programa de pesquisa em uma década, e a maior pela estimativa dele, foi inaugurada no Institute of Contemporary Art de Miami e vai até outubro. É, em parte, uma apresentação aprofundada de seu trabalho em borracha que o convida a considerar seu alcance e técnica no meio. Misturando obras icônicas de sua carreira com outras menos conhecidas, ele inclui sua escultura do tamanho de uma parede da Bienal de Whitney “É tão difícil ser verde” e uma versão recém-feita de “The Observance”, uma elaborada instalação de Rubber que estreou no York College em Queens em 1995, e dá o título ao show.

Mas a exposição também expande a visão, incluindo a pintura, fotografia e gravura de Booker, e seu primeiro amor, a cerâmica. Ao fazer isso, ele muda a percepção de Booker como um artista de um meio (embora espetacular) e, em vez disso, apresenta uma prática abrangente, ancorada na abstração negra baseada em artesanato e um espírito de raízes urbanas, princípios que persistem em seu trabalho hoje. .

“Há muito amor em seu trabalho”, disse Alex Gartenfeld, diretor artístico do Institute of Contemporary Art, que organizou a exposição de Miami com a curadora Stephanie Seidel. “É a história de uma vida.”

A arte de Booker começa pela manhã, quando ele se veste. “Eu me esculpo todos os dias”, disse ele.

Sua aparência é memorável e parte integrante do trabalho. Ele usava um cocar em forma de turbante, feito de dezenas de tiras de tecido e quadrados em muitos padrões, enrolados, amarrados e costurados. Circulou seu rosto e caiu em cascata sobre seus ombros. Sua camisa foi aprimorada, a arquitetura precisa era difícil de determinar, em um veio semelhante. Só apareceu a barra da calça de trabalho de Dickie, por cima dos tênis.

Essa integração corporal da arte e da vida antecede sua prática formal. “Sempre esteve lá”, disse ele. “Cresceu e evoluiu com o trabalho”. Ela comparou a montagem de suas roupas com a composição. “Essas são as coisas na minha paleta que me ajudam a criar o que faço.”

Os distintivos podem adicionar dificuldade prática ao trabalho de Booker, que envolve muito trabalho pesado. Seu efeito é protetor, já que é um pouco tímido e relutante em falar sobre si mesmo. Mas o resultado pretendido mais importante é chamar a atenção para o seu ofício.

“É como largar o trabalho”, disse ele. “É nisso que você deve prestar atenção. Tudo é um.”

As duas primeiras séries de fotografias documentam um jovem Booker atravessando terrenos baldios urbanos, coletando itens. “The Graveyard Series” é reimpresso como uma seção de papel de parede no show de Miami. “Foundling Warrior Quest” aparece na forma de photoetches que ele posteriormente fez a partir dessas imagens em 2010.

Seidel, o curador, disse que o elemento de atuação que vai da compilação de materiais de Booker ao estudo transmite uma orientação ética e até espiritual. “Não é apenas que ela faça algo com os pneus de borracha”, disse ele. “É uma meditação muito mais ampla sobre como interagir com o ambiente.”

Booker mudou-se para a cidade de Nova York no final dos anos 1970, a uma curta distância, mas na época a mundos de distância, de sua Nova Jersey natal. Nascida em Newark em 1953, ela cresceu lá e em East Orange no que ela ignorou em nossa entrevista, como uma “família disfuncional normal”. Atingir a maioridade em um momento de convulsão social, incluindo os motins de Newark e a repressão de 1967 – e as políticas de libertação negra, ela estudou sociologia na Rutgers University, depois lecionou em uma escola alternativa para negros em New Brunswick e veio para a cidade estudar dança africana.

Quando se estabeleceu perto do Parque Tompkins Square, a área estava em um florescimento boêmio. “Foi uma combinação de tudo”, disse ele. “Mesmo as pessoas que não eram necessariamente artistas, eram todas extremamente criativas, seja em sua aparência física ou no que faziam.”

Sua própria transição foi gradual, explorando diferentes meios e exibindo sua arte apenas duas vezes na década de 1980, em uma galeria local, inclusive em uma mostra de trabalhos têxteis com Faith Ringgold e Howardena Pindell. Mas seu projeto de longo prazo estava germinando na rua, onde ele recolhia os pneus e esteiras que se acumulavam no bairro sujo e nas experiências que fazia com eles em casa.

“O material estava lá”, disse ele. “Eu estava assistindo, como todo mundo, tentando várias coisas. Quando os pneus entraram, foi tipo, peguei você! E eu não olhei para trás. “

No início da década de 1990, Booker recebeu um M.F.A. no City College – uma decisão pragmática, pois ele achava que precisava de um diploma para ensinar e sobreviver como artista. Ela se juntou a um mentor-chave, o abstracionista negro Al Loving, que se afastou da pintura para realizar trabalhos acumulando papéis e telas rasgados. Ele também encontrou espaço para se alongar.

Anthony Archibald J., que se tornaria seu primeiro comerciante particular e um amigo próximo, lembrou-se de seu primeiro encontro, no campus, e pediu para visitar seu estúdio. Ela o instruiu a procurá-la um ano depois. Ele manteve o compromisso e descobriu que ela havia ocupado parte de um prédio que a universidade havia abandonado (e posteriormente demolido), enchendo-o de esculturas feitas de pneus e drywall.

“Não era sobre ela falando sobre história ou teoria da arte”, disse Archibald. “Ele tinha a habilidade, mas se recusava a se provar a ninguém. Sempre foi sobre trabalho. “

Em 2000, Booker foi um artista residente no Harlem’s Studio Museum e participou da Whitney Biennial, um caminho que poderia ter levado ao estrelato. Ele se juntou à Lista de Marlborough, uma galeria comercial, por uma década. Mas tanto seu meio não ortodoxo quanto suas prioridades criativas a mantiveram fora dos holofotes quando ele a chamou.

Ela não era de alterar sua arte para aprovação. “As pessoas têm o que gostam, esse é o resultado final”, disse ele. O interesse por seu trabalho cresceu ao longo dos anos à medida que uma geração curatorial mais jovem ganha influência, disse ele.

Ao montar seu estúdio em Allentown por volta de 2005, Booker dobrou para baixo, criando distância da cena de Nova York ao mesmo tempo em que garantiu um espaço de trabalho em uma escala que ele não poderia pagar na cidade. Seu primeiro estúdio em Allentown era ainda maior do que o atual.

Seu trabalho com pneus suscitou muitas linhas de interpretação, relacionadas ao declínio industrial, a ecologia do salvamento, os legados materiais do trabalho negro. Em Allentown, um remanescente industrial em si, essas questões precisam de pouca explicação. “Basta olhar para este lugar”, disse ele, gesticulando ao seu redor.

Hoje, Booker tem obras em muitos museus e parque de esculturas coleções; suas comissões públicas de arte, por sua vez, são mais acessíveis. Uma instalação de 2019 no Military Park em Newark centro da cidade atraiu jovens que escalaram e sentaram na peça e a usaram como cenário para apresentações de poesia em grupo, disse Salamishah Tillet, um acadêmico da Rutgers-Newark (e crítico colaborador geral do The New York Times) que era curador do co-projeto.

Embora a reutilização seja uma preocupação artística de longa data, o movimento Black Lives Matter trouxe à tona a noção de que nenhum ser humano é descartável, disse Tillet, injetando o trabalho de Booker com uma nova relevância. “Se essa é a chave para a liberação, há algo excitante quando um artista o manifesta em sua prática.”

No estúdio, Booker exalava a impressão de alguém que escolheu a liberdade há muito tempo.

Ele trabalha com seu parceiro e fabricante de longa data, Alston van Putten Jr., e raramente com outra pessoa. O funcionamento é autónomo: o estúdio é também o local de armazenamento, onde muitas obras vivem embaladas quando não são adequadas para exposições. Em Manhattan, ele mora no mesmo apartamento que tinha na década de 1980. Ande na caminhonete de van Putten ou pegue o ônibus.

Diante dos argumentos que os estudiosos fizeram sobre sua arte – sua missão ecológica, suas conexões com o cultivo explorador da borracha, a afinidade de seu trabalho figurativo e sua apresentação pessoal com o mascaramento africano – ele não confirma nem nega, convidando os espectadores a formarem suas próprias interpretações .

O ofício é o seu eixo de progresso. “É a técnica de fazer funcionar”, disse ele. “São as ferramentas, coloque minhas mãos na posição. É como querer algo e deixar ir. Você tem que ir mais longe para mantê-lo funcionando. “

O investimento, no verdadeiro espírito dos anos setenta, está na jornada.

“Eles até têm pneus na lua”, disse ele. “Eles não deixaram nenhum equipamento lá em cima? Eles só têm que me mandar subir!”