A Vida de Perseverança e a Arte da Transformação de Lonnie Holley

EAST HAMPTON, N.Y. – A vida de Lonnie Holley começou em um lugar impossível: 1950, o sétimo entre os 27 filhos de sua mãe, na era Jim Crow em Birmingham, Alabama, o ar estava carregado de racismo violento contra ele e todos que ele amava. As coisas pioraram à medida que ele envelhecia. Aos quatro anos, disse ele, ele foi trocado por uma garrafa de uísque por uma enfermeira que a roubou de sua mãe. Mais tarde, conta a história, ele ficou em coma por vários meses e declarou morte cerebral após ser atropelado por um carro que o arrastou por vários quarteirões. Ele então passou um tempo na infame Escola Industrial do Alabama para Meninos Negros até que sua avó paterna – ele se refere a ela simplesmente como “Momo” – foi capaz de levá-lo embora aos 14 anos.

Ele saiu das estradas lamacentas de suas origens, tornou-se músico e cineasta e aprendeu sozinho a fazer artes visuais. Desde então, ele avançou o suficiente para concluir uma residência artística na Elaine de Kooning House, nesta cidade repleta de celebridades, onde passou dois meses no inverno passado criando cerca de 100 obras de arte, muitas das quais terminaram em duas exposições em Hamptons. Simultaneamente mostrado: “Tangled Up in de Kooning’s Fence”, na recém-formada organização sem fins lucrativos Fundação South Etna Montauk em Montauk, Nova York (até 29 de agosto) e “Tudo que não era branco: Lonnie Holley na Elaine de Kooning House,” no Museu de Arte Parrish em Water Mill, N.Y. (Até 6 de setembro).

“Gratidão”, diz ele quando olha para trás e para tudo. “Sou grato pela capacidade de ser produtivo.”

Mas “produtivo” é uma forma modesta de descrever um artista que, desde 1979, reinventou o possível com materiais naufragados ou aparentemente inúteis e, em particular, com lixo. Ele segue a tradição de artistas que usam materiais reciclados para representar a vida dos negros nos Estados Unidos, como aquele nascido no Alabama. Noah purifoy (1917-2004), conhecido por suas peças escultóricas feitas de restos carbonizados após os motins de Watts de 1965.

A carreira artística de Holley foi desencadeada por ter que esculpir lápides para os dois filhos de sua irmã depois que um incêndio os matou e ela não podia comprar marcadores adequados. Ele encontrou pilhas de subprodutos descartados de peças fundidas de metal semelhantes a arenito de uma fundição perto de sua casa. “Foi como um despertar espiritual”, disse ele durante uma entrevista na House of Kooning. “Fui jogado fora quando criança, e aqui estava eu ​​construindo algo com coisas indesejáveis ​​em memória de meu sobrinho e sobrinha. Eu descobri a arte como um serviço. “

Sua relação com o arenito cresceu e, com suas primeiras esculturas, as pessoas começaram a se referir a ele como o Sandman. Com o tempo, ele deixou essa forma de trabalhar e passou a incluir outras coisas, especialmente pequenos pedaços de tecido, molas de metal, sapatos, caixas, madeira e objetos antigos, alguns dos quais ele adiciona a uma coleção crescente que ele usa e Ele usa em seus pulsos e ao redor. O pescoço dele.

Ele aperfeiçoou ao misturar esses elementos em conjuntos inesquecíveis, como “She Wore Our Chains”, um novo trabalho criado a partir de uma impressionante fotografia emoldurada do século 19 de uma mulher afro-americana que encontrou em uma loja de antiguidades na Carolina do Norte e na qual Ele pintou o rosto das mulheres com spray de perfil. Está incluído no show do South Etna, ao lado de um toco podre que ele encontrou durante uma de suas caminhadas matinais de inverno na floresta atrás da Casa de Kooning; o toco tornou-se a espinha dorsal de algumas das obras escultóricas marcantes em ambas as exposições.

O ponto de viragem na carreira de Holley veio quando ela conheceu Bill ArnettColecionador e negociante de arte de longa data que viajava pelo Sul em 1986. Ele comprou uma das obras de Holley durante o encontro em Birmingham: uma montagem fascinante alusiva às lutas negras, feita com um manequim e correntes. “Lonnie estava tão à frente dos artistas brancos do mundo que você nem consegue acreditar”, Arnett, que morreu no ano passado, disse ao The Washington Post em 2017, descrevendo seu primeiro encontro com o trabalho de Holley. “Já estive em todo o mundo e nunca vi nada assim.”

Arnett promoveu Holley junto com outros artistas negros autodidatas do Alabama, como Joe Minter, que criou o African Village in America (um jardim de arte em constante evolução que começou na década de 1980 que contém esculturas de materiais de sucata); Betty Avery, que usou itens quebrados, como espelhos, vidro e tocos de árvores em seu jardim como a raiz de seus conjuntos; e o grande Thornton Dial, que utilizou materiais coletados para criar uma arte que contasse a história das lutas negras no sul.

“Isso realmente me ajudou a melhorar meu trabalho”, disse Holley, “e as coisas ficaram muito mais confortáveis. Às vezes me pergunto como as coisas teriam acontecido se Bill não tivesse aparecido. “Mas o próprio Holley é uma espécie de colecionador e, ao longo dos anos, seu trabalho gradualmente se tornou um conglomerado de culturas, experiências e histórias negras…

A relação de Holley com os objetos ou cultura das comunidades negras é matizada. Em suas novas pinturas, os rostos recortados são lindamente dispostos em camadas sobre colchas e pintados em cores escuras e brilhantes. Os rostos colidem uns com os outros para criar ilusões de ótica, homenageando as mantas pretas de Gee’s Bend no Alabama, cujas tradições de costura à mão datam de meados do século XIX. Não está relacionado às colchas simplesmente como obras de arte moderna (como os críticos fizeram, comparando-os com obras de Matisse e outros grandes modernistas); em vez disso, Holley os vê como originários de uma história de necessidade, dor e necessidade.

Com seu toque transformador, ele os move de formas geométricas sólidas para figurações que incorporam as experiências que os produziram. “O trabalho de Lonnie compartilha uma sensibilidade artística inata e brilho” com as colchas Bend de Gee, disse Alicia Longwell, curadora da exposição no Parrish. “Seu desenho e pintura na colcha se tornam uma homenagem ao criador e sua própria maneira de reciclar e homenagear a tradição.”

É assim que ele vê também a tinta aerossol que usa e que lembra o graffiti em suas pinturas luminosas: “Quero que quando tudo isso, todos os meus trabalhos forem apresentados, as pessoas possam dizer, ai que Lonnie, ele tirou tudo, suas mãos pegaram o espírito, as coisas que eles não querem que tenhamos e, bum, eles juntaram tudo. “

Ele fala com ar sonhador do oceano em Montauk, onde passou muito tempo na praia. “Aquele grande azul”, disse ele, exibindo fragmentos aleatórios de conchas, madeira e tecido que havia coletado na água porque pensava que poderia usá-los. “Isso me faz pensar em estar sozinho, como um ancestral que foi deixado para trás.”

E embora ele ainda pense em si mesmo dessa forma, como um estranho, sua arte visual foi compilada por algumas das instituições mais importantes da América, incluindo o Museu Metropolitano de Arte e ele Museu Smithsonian de Arte Americana, e foi mostrado no Rose Garden da Casa Branca. “I Snuck Off the Slave Ship”, um filme musical de 18 minutos sobre a relação do artista com a liberdade na América, que ele codirigiu com Cyrus Moussavi, exibido no Festival de Sundance em 2019.

“Lonnie há muito tem um status de culto entre os conhecedores de arte, como artista e artista visual, mas nos últimos anos ele tem feito uma transição, ganhando mais reconhecimento nos chamados corretores de encontros do mundo da arte”, disse Alison. , um historiador da arte que fez a curadoria da mostra no sul do Etna.

James Fuentes, O dono da galeria de Manhattan que expôs o trabalho de Holley e o colocou em coleções de museus desde 2013 o chamou de “xamã moderno”. “O poder de sua narrativa e sua conexão como descendente da escravidão não podem ser ignorados”, disse ele, apontando para os motivos recorrentes de navios negreiros em suas esculturas. Fontes disseram que os preços de Holley variaram de US $ 5.000 a US $ 50.000, “até agora”. Agora, em sinal da crescente receptividade do mundo da arte, a Blum & Poe, galeria em Nova York, Los Angeles e Tóquio, representará o artista.

“Lonnie expressou um desejo sincero por uma plataforma maior e mais visibilidade para seu trabalho”, disse Tim Blum, o co-fundador da galeria. “Percebemos claramente que Lonnie produz, faz, expõe e contribui para a arte há quatro décadas e isso se encaixa perfeitamente no programa da galeria.”

Depois de se mudar para Atlanta em 2010, Holley começou a compor e tocar música. A sua voz, nos cinco álbuns que lançou, é profunda, suave e calmante, tornando fácil esquecer que a sua composição, tal como a sua arte, é extemporânea.

“É sobre o cérebro, o mesmo cérebro que produz música, produz arte visual. Eu chamo isso de ‘brainsmithing’ ”, disse ele, antes de subir ao palco do Parrish para apresentar algumas canções na noite em que sua exposição de arte estreou.

“A voz dele fica na sua cabeça”, disse Gingeras, que estava na pequena plateia.

Aos 71 anos, Holley transborda energia e ambição. Ele estava voando ao redor do mundo, se apresentando em shows, antes que a pandemia Covid-19 encerrasse seu itinerário. Um grande show, organizado pela Blum & Poe, está agendado para o próximo ano em Los Angeles. Ele está inquieto, implacável; ele simplesmente continua. Às vezes, ele até parece esquecer quantos anos ele realmente tem. Ele disse durante a entrevista: “Não vejo uma pessoa mais velha tentando atravessar a rua e não se oferecendo para ajudar”.

Na verdade, na última cena de “Eu escapei do navio escravo”, após imagens de negros de diferentes gerações brincando, dançando e orando, Holley é mostrado segurando a mão de um homem muito mais velho e ajudando-o a sair da igreja. .

Embora Holley tenha tido problemas com a cidade de Birmingham (sua autoridade aeroportuária destruiu seu jardim de arte em 1997 ao expandir seu território e receber US $ 165.000 em compensação após uma longa batalha legal), ele evita negociações políticas abertas. “Não quero falar sobre pele”, disse ele, quando questionado sobre como se sentia ser um homem negro na casa dos Kooning, em uma área que poderia ser considerada com uma história muito diferente da sua.

Em vez disso, ele se levantou para observar as sombras lançadas pela imensa luz que fluía pelas claraboias e janelas de vidro, caindo sobre um conjunto de sapatos gastos e molas de metal. Era meio-dia e sua própria sombra se juntou à mistura quando ele se levantou.

“Isso é memória”, disse ele, apontando para telas com silhuetas brilhantes feitas com tinta spray. “Tudo é memória. Cada rosto nessas pinturas. São todas as pessoas, especialmente mulheres, que me apoiaram. Olhe aquele olho grande e lindo. Minha avó Momo. Minha mãe, mãe. Rainhas “.

E aqueles rostos, vidas que sustentaram sua vida, apesar de como tudo começou, preservados em seus trabalhos sobre mantas e brilhando em suas telas, permeiam tudo, rolando uns contra os outros como as ondas do mar.

Tudo que não era branco: Lonnie Holley na Elaine de Kooning House

Até 6 de setembro, o Museu Parrish, Water Mill, N.Y.

Lonnie Holley: emaranhado na cerca de De Kooning

Até 29 de agosto, South Etna Montauk Foundation, 6 South Etna Avenue, Montauk, N.Y.; [email protected]