Além do Expressionismo Abstrato: MoMA Rethinks 1950 Art

À medida que as exposições progridem, “Grade Zero: Desenho de Mid-Century” no Museu de Arte Moderna é uma empresa relativamente modesta. Afinal, é simplesmente uma exibição de 79 desenhos da coleção permanente do museu, uma espécie de potpourri, por assim dizer. Mas também é um empreendimento ambicioso, selecionado e instalado com muito cuidado por Samantha Friedman, curadora associada de desenhos e gravuras. Você sente um novo ponto de vista quase assim que entra na galeria.

A mostra se concentra na década de 1950 e busca desafiar a visão tradicional da década principalmente como um período em que surgiram os expressionistas abstratos, precipitando o chamado triunfo da pintura americana. Isso não poderia acontecer em um local melhor, já que o MoMA foi fundamental na construção dessa visão de olhos fechados.

“Degree Zero” reconfigura a década de 1950 como uma época em que muitos artistas de diferentes partes do mundo abordavam a arte com uma atitude experimental. Recuperando-se do rescaldo da Segunda Guerra Mundial, eles se sentiram compelidos a recomeçar do zero. Os desenhos, cadernos de esboços e partituras de música e dança do programa tendem a ser simples, mais ou menos abstratos e geralmente em preto e branco. O efeito é menos austero do que brilhante. A diversidade ajuda: cada trabalho parece se destacar, nítido e assertivo à sua maneira.

Você pode ficar preso, como eu, tentando descobrir quem fez o grande e vibrante desenho a tinta na primeira parede da série. Um retângulo preto proeminente com dois cantos arredondados sobre uma ponta grossa sugere um caminhão de desenho animado recuando no quadro, seu volume realçado por uma superfície densa incomum para tinta. É do artista performático conceitual místico James Lee Byars, feito em 1959 no início de uma década no Japão. De repente, torna-se uma visão parcial de uma caligrafia gigante, engenhosa e digna.

Em seguida, os magníficos desenhos de Louise Bourgeois e especialmente de Willys de Castro prevêem mudanças de estilo do orgânico para o geométrico e vice-versa. Em seguida, duas peças menores e mais lineares, a tinta humorística “Paisagem” de Jean Dubuffet de 1951 e o script de mapa de Dick Higgins de 1960 para uma performance, implicam que as imagens, a linguagem e os gestos subverterão a abstração pura. E que as composições muito elogiadas de Jackson Pollock terão muita companhia. Você deve se lembrar de Higgins na galeria final da exposição, ao lado de “Music for Electric Metronome” (1960) do compositor Toshi Ichiyanagi, que tem uma energia cartográfica semelhante.

Existem outros locais menos familiares: desenhos que o MoMA adquiriu nos anos 1950 mas raramente expôs, e outros que adquiriu desde então, alguns muito recentemente. Uma das mais proeminentes entre várias obras que entraram na coleção no ano passado é um bolo sem título de cerca de 1955 do raro Beauford Delaney. Seus vermelhos, laranjas e alfazema circulares se misturam em um brilho nebuloso que é ao mesmo tempo multicolorido e quase monocromático. Ele complementa a classificação expansiva de amarelos e verdes em sua grande “Composição 16” (1954-56), uma pintura que o MoMA adquiriu em 2012.

Apenas metade dos 58 artistas do show são americanos. Os demais são da Europa, América do Sul, Japão e África, representados por um único artista, Uche Okeke, da Nigéria, figura importante no desenvolvimento do modernismo pós-colonial e mestre da linha. Dois dos seis desenhos que o MoMA adquiriu em 2015 estão aqui: campos de quebra-cabeça de linhas retas e onduladas animados intitulados “Design for Ironworks I” e “Design for Ironworks II”, ambos de 1959, tinta no papel que refletem a herança igbo de Okeke, como bem como sua familiaridade com o modernismo ocidental. Eles são a versão de Okeke dos designs de Igbo Uli, configurações lineares geralmente reservadas para decorações corporais e murais de parede e executados por mulheres.

Enquanto os desenhos de Okeke mostram o museu alcançando e ampliando seu foco, os trabalhos adquiridos nas décadas de 1950 e 1960 indicam que, para seu crédito, ele tentou atender a desenvolvimentos fora do cânone euro-americano em tempo real, como cobertura. Contra o julgamento fraco, mudando gostos e missões reconsideradas. Em meados da década de 1950, ele adquiriu abstrações caligráficas de vários artistas japoneses, incluindo Morita Yasuji e Osawa Gakyu, praticamente quando foram feitas.

Em contraste, uma obra mais niilista feita em 1954 por outro artista japonês não foi adquirida até 2012. Essa é a “Obra pintada que joga uma bola (Tokyu kaiga)” de Saburo Murakami, uma grande folha de papel branco perturbada apenas por um único preto, de certa forma orbe de pintura irregular.

Outras obras desconhecidas incluem três pequenos desenhos feitos em 1950-52 pelo artista autodidata coreano Joong Seop Lee (1916-1956), que incisou e pintou folhas de alumínio de maços de cigarros com fotos cheias de fotos, incluindo um vagão do metrô cheio de passageiros que lêem seus jornais. Eles foram entregues ao museu como um grupo em 1956 por um antigo doador chamado Arthur McTaggart, um oficial de relações exteriores que trabalhava na Coreia do Sul e se aposentou lá.

Na época da doação de McTaggart, o interesse do museu pela arte autodidata estava diminuindo. Seu recente ressurgimento é evidenciado, na mesma parede, por um monumental desenho a lápis e aquarela (quase dois metros de altura) de Martín Ramírez, o grande forasteiro mexicano, adquirido em 2010. No topo, um de seus icônicos cruzeiros – como locomotivas, ele viaja entre a boca de dois túneis; abaixo, os trilhos do trem descem o comprimento restante do papel, entre os ombros das linhas radiantes. As linhas e colunas que se repetem evocam os sons rítmicos e as imagens de um trem em alta velocidade.

A geração mais velha não está totalmente ausente: Pollock, Willem de Kooning, David Smith e Franz Kline estão presentes, mas são apenas parte da mistura. Mais importante, suas fileiras se expandem com o acréscimo de obras significativas de mulheres, notavelmente um óleo sobre papel sem título de 1957, de Joan Mitchell, e “New City” de 1953, de Dorothy Dehner, que foi brevemente casada com Smith. . Uma das estrelas do show, este maravilhoso desenho a tinta e aquarela apresenta uma teia intrincada, uma espécie de estalido de placas, estendendo-se de um núcleo macio e translúcido colorido.

Outro habitante da década de 1950 com perfil crescente hoje é Sari Dienes. Em 1953 começou a fazer raspagens de tampas de bueiros, grades de metrô e outros elementos urbanos, às vezes com a ajuda de seu amigo Jasper Johns. Johns disse mais tarde que suas pinturas de bandeiras e alvos americanos, que ele começou a fazer em 1954, representavam “coisas que a mente já sabe”, que as fricções de Dienes representavam também, e talvez primeiro. A “Tumba” de Dienes, por volta de 1953-54, é a fricção de uma lápide em uma pequena bandeira de tecido, dada ao MoMA pela fundação do artista em 1999. Divulgação completa: inicialmente eu a confundi com uma das impressões do corpo de David em Hammons atualmente em exibição em o Drawing Center (até 23 de maio).

A arte pode ser longa, mas também é extremamente ampla e variada, mais do que qualquer narrativa pode abranger. Esta exibição inteligente oferece um novo sentido da amplitude irreprimível da arte em um museu que está expandindo suas vistas, incluindo algumas que foram adicionadas à coleção há mais de meio século.

Grau zero: desenho de meados do século

Até 5 de junho, Museu de Arte Moderna, 11 West 53rd Street, Manhattan, (212) 708-9400; moma.org. Ingressos cronometrados são obrigatórios.