Cinco filmes internacionais para transmitir agora
As seleções deste mês incluem um filme grego distópico sobre uma doença misteriosa, um filme sóbrio sobre o escândalo britânico Windrush, um drama comovente da Colômbia, uma versão indiana moderna de Shakespeare e uma ópera stop-motion deslumbrante da China.
“Kala Azar”
O filme assustador de Janis Rafailidou apresenta seus personagens principais por meio de uma cena de sexo, embora não esteja imediatamente claro o que estamos vendo. Tudo o que vemos são fragmentos de membros carnudos e emaranhados, filmados tão de perto que é impossível discernir quaisquer formas ou formas reconhecíveis. Este é o modus operandi de Rafailidou ao longo de “Kala Azar”: olhar para objetos e corpos familiares tão de perto, e de ângulos tão incomuns, que seus contornos tornam-se estranhos.
A história se passa em uma paisagem desolada e um tanto distópica do Mediterrâneo, embora o cenário nunca seja explicitamente identificado. Existem montanhas distantes, campos abandonados e canteiros de obras empoeirados onde trabalham as equipes de trabalho do sul da Ásia. Penelope (Penelope Tsilika) e Dimitris (Dimitris Lalos) são crematórios de animais de estimação que dirigem por este terreno, parando em casas para pegar cães, gatos e peixes falecidos, garantindo a seus donos que eles serão removidos com cerimônia e cuidado.
Fragmentos da narrativa surgem quando o casal se choca com o diretor do crematório de animais por causa da indignação misteriosa que encontram em suas viagens. Mas “Kala Azar” investe menos na trama do que num clima sensual e tátil, aproveitando as implicações mórbidas de seu título (o nome de uma febre letal parasitária) para evocar um mundo melancólico onde a vida e a morte não existem mais. equilíbrio. É um relógio particularmente perturbador em nossos tempos atuais de coronavírus.
“Sentado no limbo”
La madre de Anthony Bryan llegó a Londres en la década de 1960 como parte de la “generación Windrush” de inmigrantes caribeños: hombres y mujeres de clase trabajadora que fueron alentados a mudarse a Gran Bretaña en las décadas de la posguerra para suplir la escasez de mão de obra. Bryan tinha 8 anos quando se juntou à mãe e, em 2015, morava e trabalhava em Londres há quase 50 anos, quando foi repentinamente declarado imigrante ilegal e ameaçado de deportação.
Bryan estava entre centenas de imigrantes injustamente atacados na Grã-Bretanha. Escândalo Windrush. Em “Sentado no Limbo”, dramatizando a experiência infernal de Bryan, a diretora Stella Corradi capta o custo espiritual dessa injustiça. Bryan (Patrick Robinson) vai de sua vida modesta, mas gratificante com seu parceiro, filhos e amigos, para fazer rondas labirínticas em escritórios de imigração, tribunais e centros de detenção semelhantes a prisões. Qualquer reparação legal, obtida por sua família a alto custo, tem vida curta.
Corradi apresenta os baixos e eventuais altos de Bryan no mesmo estilo calmo e imparcial, refletindo a verdade que Robinson transmite poderosamente com seu rosto cansado e endurecido. Independentemente do resultado de sua provação, Bryan perdeu algo que nunca vai recuperar: um sentimento de pertencimento. No entanto, “Sentado no Limbo” não é totalmente desolador. Corradi assume a responsabilidade de destacar a intimidade, o amor e a solidariedade da comunidade Bryan, prestando homenagem não apenas ao seu sofrimento, mas também à sua resiliência.
“Vale das Almas”
“Vale das Almas” é inaugurado em 2002, quando José (José Arley de Jesús Carvallido Lobo), um pescador idoso e enrugado, desce o rio Magdalena, na Colômbia, de canoa. A noite está escura, o rio é vasto e vozes ameaçadoras são ouvidas à distância. As Forças de Autodefesa Unidas da Colômbia, o exército paramilitar de extrema direita que espalhou o terror na região no final dos anos 1990 e 2000, está prendendo os habitantes locais. Quando José volta para sua cabana na luz da manhã, seus filhos foram levados embora.
Por um ano, a série “Offstage” seguiu o teatro para fechar. Agora estamos vendo sua recuperação. Junte-se ao repórter de teatro do Times, Michael Paulson, enquanto ele explora sinais de esperança em uma cidade mudada com Lin-Manuel Miranda, uma apresentação de Shakespeare no Parque e muito mais.
Assim começa o drama de sísifo comovente do filme de Nicolás Rincón Gille. A determinação infalível de Josés em encontrar seus filhos torna-se ainda mais trágica quando você percebe que o melhor que ele pode esperar são os cadáveres deles. Ele não está lutando por suas vidas, mas para conceder-lhes dignidade na morte.
Como o rio em seu centro, o “Vale das Almas” avança com um ritmo calmo e constante que ocasionalmente acelera para revelar os horrores sob sua superfície plácida. Lobo é magnificamente estóico, e Rincón Gille o segue com lentes de paciente observação, fazendo de José uma espécie de santo padroeiro de todas as vítimas do violento conflito civil da Colômbia que permanecem perdidas em poços de água.
“Joji”
Três irmãos dividem uma casa com seu temível pai em uma exuberante fazenda de borracha no estado de Kerala, no sul da Índia. Quando o patriarca de cabelos grisalhos (que conhecemos enquanto fazíamos flexões que desafiam o envelhecimento) sofre um derrame debilitante, Joji (Fahadh Faasil), o filho mais novo inútil, percebe que esta pode ser sua única chance de aproveitar a vida que você deseja . E assim o faz, desencadeando uma cadeia de mentiras e traições assassinas.
Misturando nuances de “Macbeth” e “King Lear”, o diretor Dileesh Pothan dá vida a temas universais de ganância, ambição e conflito familiar, enraizando firmemente seu filme em seu tempo e lugar. Os jogos de poder em “Joji” são baseados em desigualdades de casta e classe, animosidades religiosas e dinâmica feudal na zona rural de Kerala, enquanto os suprimentos da pandemia (máscaras, quarentenas, equipamentos de proteção) são transformados em peças. Xadrez na narrativa.
“Joji” me lembrou de “Succession” da HBO, com sua caminhada na corda bamba entre o suspense e o humor negro. As reviravoltas são divertidas e imprevisíveis, mas o deleite do filme está em assistir seus personagens cuidadosamente desenhados se contorcerem enquanto tentam manter as aparências em situações absurdas, como um funeral onde discursos são desculpas para trocar penas. Minha conclusão? Existem poucas coisas tão universais nas culturas quanto as famílias passivo-agressivas.
Em “S He” de Zhou Shengwei, uma mãe solteira luta para criar e alimentar sua filha em um mundo masculino. Exceto que a “mãe” neste caso é uma bomba vermelha brilhante com uma coroa de trepadeiras verdes, e os “homens” são mocassins pretos brilhantes com boca larga e dentes pontiagudos.
É difícil fazer justiça à deslumbrante arte do filme stop-motion de Zhou com apenas palavras. É preciso ver para valorizar a riqueza visual e temática que o diretor alcança com os objetos do cotidiano. Sapatos, meias, alfinetes, unhas, frutas e muito mais se tornam personagens em uma batalha operística dos sexos. A bomba mata o vagabundo que a mantém trancada, ao estilo da Sra. Rochester, e então se aventura no reino proibido dos sapatos masculinos, imaginado aqui como um cruzamento entre um salão para fumantes e uma maquiladora. Lá, ele deve lutar contra olhos mecânicos errantes e chaves assassinas para roubar comida, ou seja, meias, para alimentar sua prole.
Uma regra distópica contra a misoginia e o capitalismo se desdobra no contexto de mares de plástico e pôr do sol cabeludo, mas “S He” não é simplesmente um exercício de simbolismo. Com sua interação de luz, movimento e som, Zhou coreografa grandes emoções e pathos pungente: a raiva de uma mulher desprezada, o desespero de uma mãe protetora, a inocência perdida de uma criança abandonada. Apesar de sua arte elaborada, “S He” nos lembra que a magia dos filmes está em seu poder de nos fazer sentir.
